Estudio Medusa

Seymour Bits - Put It Back Down

2010-12-09T07:40:00.000-08:00

Seymour Bits - Put It Back Down from magnetron music on Vimeo.

Fantasy on TV

2010-12-09T07:39:00.000-08:00

"Fantasy Westward Journey TV" from Nathan Love on Vimeo.

Thought of You

2010-12-06T15:26:00.000-08:00

Thought of You from Ryan Woodward on Vimeo.

Paths of Hate

2010-12-02T12:06:00.001-08:00

PATHS OF HATE long trailer from Platige Image on Vimeo.

Q Pop

2010-11-29T14:01:00.001-08:00

Painting Q Pop from Kevin's Worldwide Adventures on Vimeo.

Los Angeles Festival de Animación

2010-11-29T13:54:00.001-08:00

Los Angeles Animation Festival from Cinefamily on Vimeo.

Esta noche nos vamos de alcantarillas

2010-11-29T02:22:00.000-08:00

Hubo algunos utopistas de la comunicación convencidos de que el advenimiento de las televisiones digitales iba a traer un renacimiento de la contracultura. La multiplicación de ofertas de ocio no podría sino tender hacia una especialización cada vez más singularizada. El canal temático sería el primer estadio de lo que acabaría por convertirse en el fanzine virtual. Quizás porque la velocidad (de caracol) de los procesos evolutivos no tiene mucho que ver con la velocidad (de gacela) de los avances tecnológicos, la aparición de voces apocalípticas no se ha hecho esperar: según éstas, lo único que podrá ofrecer la proliferación de canales digitales será un espectacular incremento de posibilidades de ver... siempre lo mismo.

Quizás ni los utopistas ni los apocalípticos sirvan para describir lo que está ocurriendo: el ocio digital, por ahora, es una suerte de reflejo hiperbólico del ocio sin adjetivos. O sea, un bosque de alicientes para el paladar común en el que, no obstante, el buscador avezado siempre podrá encontrar trufas transgresoras. Y, por supuesto, como el reflejo es hiperbólico, en el universo digital todo es más grande que la vida: por un lado, está la más espectacular gama de alicientes para el espectador medio; por otro, singulares explosiones de contracultura tan fresca y agresiva que difícilmente podrían hallar cobijo en las televisiones genera-listas. Toda esta cháchara viene acuento porque el único programa televisivo mostrenco ha hecho su aparición en ese contexto. Se trata de Red infernal, espacio que Canal C:, de Canal Satélite Digital, programa en la medianoche de los sábados. Su concepto no puede ser más excéntrico: Flus y Sport, un par de zopencos que se dirían sacados de una versión mascletá de las odiseas indies de Kevin Smith, han sido abducidos por el universo virtual y, a bordo de una nave legañosa, buscan una salida mientras un supervillano de tebeo les hace la vida más o menos imposible. Flus y Sport se detienen en algunos de los más sucios websites y topan con pintorescos personajes de la Red, entre ellos el Prisionero —la cabeza levitante de un tetrapléjico moralista que alerta a los muchachos sobre los peligros virtuales— y el profesor Orloff —algo así como el nieto canábico de Jiménez del Oso—.

El programa combina el lenguaje de la telecomedia aberrante —La pareja basura, la serie de Rik Mayall y Adrian Edmonson, sería su único referente posible— con el reportaje fanzinero con voces que mimetizan, versión ultra-trash, las de José Luis Moreno y Rockefeller, Beavis y Butthead, el oso Yogui y Bubu o Isabel Pantoja. El programa tiene de todo: bromas cuarteladas, atracones de donuts, guiños a Benny Hill preservativo en mano, sanguíneos homenajes a divas del pomo, sinceras apologías del onanismo, videojuegos ultraviolentos, zafiedad por un tubo, loas a los libros de cómic más brutales, juiciosas dosis de manga y anime y toda la grosería que uno podría perdonar a su hermano pequeño adicto al pegamento. Red infernal es un producto de la mente loca de Jorge Riera, ex niño prodigio del periodismo especializado en subcultura que revela, en la piel del asilvestrado, colérico y machista Flus, una energía cómica casi sobrenatural. Le secunda Sergio Benet encarnando al deglutidor de dobles whopper con queso Sport. No dejen de darse un garbeo por las cloacas de Internet en su insana compañía. Son lo más mostrenco que se puede encontrar en la pequeña pantalla. Texto:Jordi Costa Ilustración: Darío Adanti

Viernes 14 de Enero 2000

The Fantastic Flying Books of Morris Lessmore

2010-11-28T05:10:00.000-08:00

The Fantastic Flying Books of Mr Morris Lessmore from Moonbot Studios on Vimeo.

Tentaciones

2010-09-28T14:49:00.000-07:00

Tentaciones de verano, o un homenaje a la imaginación y al desparpajo

ANA ALFAGEME 01/08/2010

29 de octubre de 1993. Nace una criatura de 156 gramos. No llora. Es de papel y tiene tetas.Las que Gaultier diseñó para la Kika de Almodóvar . El bebé se llama El País de las Tentaciones, enseña los dientes dentro del periódico, y en sus 48 páginas están también Joaquín Cortés e Iggy Pop. Exhibe una declaración de intenciones: Los días que nos hacen felices nos hacen sabios. A los lectores se les trata de tú y se les invita a fabricar contenidos y a interactuar. Eso, en una época en que Internet era un asunto de muy enterados, nadie tenía móvil y no había más redes sociales que las cañas con los amigos.

Y desde aquel día, el puñado de jóvenes periodistas que parieron Tentaciones sorprendieron cada viernes:rodearon de chulazos a Carmen Sevilla en la época de su disparatado telecupón, llenaron de globos el corsé de Pamela Anderson, pintaron en la cabeza de un amigo un mapamundi para contar historias de vueltas al mundo, liaron a Animalario para hacer un pollo en la cocina de EL PAÍS y otras 500 gamberradas más. Era la costumbre semanal de darle la vuelta a cualquier tema, al cine, a la música, a la televisión o a las tendencias, a inventar para que la portada fuese algo deseable.Tentaciones de verano es un homenaje estival en forma de blog a la cabecera precursora del actual EP3 -al que le dio el relevo en 2005-, a su frescura y a su desvergüenza, combinadas con el buen periodismo de EL PAÍS.

El hombre que creó aquel suplemento semanal por encargo del entonces director del diario, Joaquín Estefanía, tenía 34 años, se llamaba Alex Martínez-Roig, venía de la sección de Deportes y se enfrentó a dos partos paralelos: el de su hijo Pablo y el de aquella cabecera que incubó durante dos meses junto a Fernando Gutiérrez, un diseñador de origen español y formación británica que le dio a la revista un tono radical con clasicismo tipográfico. "Teníamos la sensación de que siendo un periódico joven nos habíamos quedado mayores", dice Martínez Roig, ahora director de contenidos de Canal +, "nos planteamos escribir sobre todo lo que nos gustaba: cine, música, publicidad, televisión, con una mirada mucho más gamberra.Tentaciones era una cabecera que se movía por la portada. Siempre bajo la mirada, arriba, a la izquierda, del padre, EL PAÍS, que garantizaba el rigor y la calidad".

El experimento fue un éxito: "El objetivo era conseguir 30.000 ejemplares más cada viernes. A la tercera semana ya alcanzamos 120.000", recuerda Martínez-Roig. "Recuperamos la autoestima. Demostramos que éramos capaces de conectar con la gente".

Efectivamente, desde el primer número los lectores estuvieron muy presentes, con dos páginas de participación. Enviaban por ejemplo (a través de una muy analógica carta con sello de Correos), los porqués más peregrinos. Otros les contestaban. Un par de ellos: ¿Por qué a la parte de delante de los coches se le llama salpicadero?, propusieron Javier Prieto y José Miguel Arocas, uno desde Valladolid y el otro desde Alicante. La culpa fue de la marcha atrás, respondieron Los Tres de Castilla desde, de nuevo, Valladolid. ¿Por qué se aburren las ostras?, fue otro de los porqués más celebrados. El que eligió la Redacción: Porque las gambas no les invitan a un cóctel.

En un momento en que la conexión entre un medio de comunicación y sus lectores no era frecuente (ni fácil tecnológicamente), Tentaciones publicaba los personajes más relevantes de cada año tras una votación popular. Cuando cumplió 100 números entrevistó y fotografió a 100 de sus muy dispares seguidores (además de darle un tartazo en la cara al jefe de entonces, Vicente Jiménez, hoy director adjunto).

Con el paso de los años, la carta fue complementada con el correo electrónico y el móvil, y la gente siguió participando en Véndete, Estamos hartos, Postales insólitas o el celebrado Palabro: Literadura, propuso Agustín Olivera (uno de los lectores más activos que tuvoTentaciones). Cualquier viagrafía, respondió EU. O Falshion (Marta I.) El top manta de la moda pija, contestó C. Cruz.

"El objetivo era que sorprendiera. Concebíamos la portada como un cartel, usábamos trucos publicitarios y trabajábamos gráficamente los titulares y los textos, de una manera muy dinámica", recuerda desde México el diseñador Fernando Gutiérrez, ahora responsable de la imagen del Museo del Prado, entre otros muchos proyectos. "Tentaciones no tenía pauta, era muy libre, era lo que yo quería crear. Fue un momento de suerte, nadie sabía hacer aquello pero todos en el equipo tenían mucha disposición para conseguir algo distinto. Aprendimos juntos. Y yo descubrí España a través de la mirada de Tentaciones". Gutiérrez recuerda cómo le arrebataban las páginas de las manos para poderlas imprimir: "Decían que éramos lentos, pero es que trabajábamos mucho cada reportaje". El diseñador rememora hasta qué punto la cabecera se popularizó en los ámbitos periodísticos y de diseño. "Acabé en Colors por elTentaciones".

"Queríamos llamar la atención con creatividad. Se contrató a un grupo de periodistas muy jóvenes y con mucha calidad para este proyecto, que no se sintieron acongojados por la cabecera de EL PAÍS", asegura Vicente Jiménez, el jefe del tartazo, que relevó a Martínez Roig. "Fue muy arriesgado y muy chocante para aquella época, pero enseguida cuajó. La dirección nos dejó trabajar con total libertad". Él, Gutiérrez y se equipo montaron una portada simulando dos pequeños agujeros con sangre resbalando para presentar Entrevista con el vampiro, dibujaron una interrogación con una pastilla de éxtasis, colocaron a los Beatles en un rincón contemplando un escarabajo o presentaron, silueteada, la boca de Julia Roberts (con los 24 dientes que enseña cuando sonríe) por el estreno de El informe Pelícano. "No teníamos mucho dinero para hacer una producción ni mucho material gráfico", cuenta Jiménez sobre la famosa boca. Llovían los premios de diseño, como el otorgado por la primera página en la que Julio Medem fue enterrado en tierra roja en ocasión del estreno de Tierra. Otros periódicos lanzaron revistas de ocio similares. Hasta Liberation.

A aquel equipo que tanto se divirtió, con 25 años, se incorporó Goyo Rodríguez, ahora subdirector: "Era un festival de la imaginación. Si, como dicen, la profesión de periodista tiene 10 años maravillosos, sin duda yo consumí parte de ellos en Tentaciones. No había complejos, no había corsés. Me ayudó a despertar la creatividad, a comprender que la imaginación no tiene límites. Para mí, junto con mi paso por Europa Press, fue la mejor escuela. Aprendí que creatividad e imaginación nos enriquecen. Éramos libres e inconscientes. Podíamos ejercer la profesión en EL PAÍS, el periódico más importante en español en el mundo, sin la presión de EL PÁIS. Tentaciones fue la gran ventana a la modernidad del periodismo en las últimas décadas. Hoy no sería posible, porque el reto y la batalla por la modernidad se libra sobre todo en Internet".

Íñigo López Palacios, responsable de música de EP3, se incorporó como becario en 1999. "Soy un hijo de Tentaciones. Profesionalmente le debo todo. He aprendido un compromiso con la calidad en las propuestas. Yo creo que ha sido un producto para no gustar especialmente a nadie pero al que se le echa de menos cuando pasa algo".

Joseba Elola lideró uno de los rediseños, en 2001, cuando se introdujo una sección de sexo (que fue examinada con lupa por más de un compañero), o la del astronauta, en la que el crítico de música clásica de EL PAÍS acabó en un after de música tecno, También impulsó un buzón de contactos a través de mensajes de móvil, "algo precursor de las redes sociales", dice. "Estábamos mucho menos sometidos a la autocensura, teníamos más libertad". Muchos de los periodistas que disfrutaron con aquel festival de la transgresión, cuyas reuniones eran disparatadas tormentas de ideas, son ahora responsables de otras secciones, como Pablo Guimón, redactor jefe de Madrid, quien, por ejemplo, se encargó de reunir a un centenar de activistas para construir una C de copyleft y fotografiarlos desde la azotea de la sede del periódico. "Se trataba de no conformarte con la primera idea, de experimentar, de atreverte con cosas que no sabes si van a funcionar".

Pablo fue el responsable del número que, en 2003, conmemoró los 10 años de Tentaciones, y en el que los lectores, una vez más, fueron los protagonistas: no sólo escogieron a los mejores artistas de la década sino que también enviaron sus preguntas para que nosotros se las planteáramos. Todos ellos, desde Javier Bardem hasta Roberto Begnini, pasando por el escurridizo Manu Chao, fueron retratados por Javier Salas con una manzana, símbolo de la tentación.

En aquella portada salía Jenni, una niña de 10 años que se lió a martillazos con la tarta de cumpleaños. Había nacido el mismo día que Tentaciones. Todo un símbolo. ¿O no?

Salesman Pete

2010-09-27T14:05:00.000-07:00

Salesman Pete from Salesman Pete on Vimeo.

The Experience trailer

2010-09-27T14:04:00.000-07:00

The Experience trailer from Pirates Peperes on Vimeo.

Volstok Telefunken

2010-09-11T15:13:00.001-07:00

Volstok Demoreel 2010 from Volstok on Vimeo.

Medusa by Nick DiLiberto

2010-08-23T13:15:00.000-07:00

Adobe CS5- Production Premiun

2010-08-14T15:38:00.000-07:00

Adobe CS5 - Production Premium from Seagulls Fly on Vimeo.

Preguntas Hermosas

2010-08-14T14:58:00.000-07:00

Looney Tunes clip exclusivo: Coyote Falls

2010-08-14T14:15:00.000-07:00

Via Cartoon Brew. El autor del post en esa página fue invitado a conocer lo nuevo de los Looney Tunes en 3D CG. Hay gente con suerte.

Lucky in Love: A Poor Man´s Biography

2010-08-14T14:03:00.000-07:00

Stephen DeStefano (Venture Bros., Sym-Bionic Titan) han creado este corto de promoción para anunciar el primer volumen de su novela gráfica sobre la Segunda Guerra Mundial Lucky in Love: A Poor Man´s Biography, co-creado con George Chiffet. Dirigido por Miguel Martinez-Joffre con el color de Carly Monardo. El libro sale a la venta en Septiembre por Fantagraphics (http://www.amazon.com/gp/product/1606993542?ie=UTF8&tag=animationblast08&linkCode=as2&camp=1789&creative=9325&creativeASIN=1606993542)

Via Cartoon Brew.

The music scene

2010-06-28T15:13:00.000-07:00

"The Music Scene" from Anthony Francisco Schepperd on Vimeo.

Palm Springs Short Fest by MAKE

2010-06-28T14:48:00.001-07:00

Infinity

2010-06-22T13:55:00.000-07:00

Good Bye Canine

2010-04-27T15:50:00.000-07:00

Scott Pilgrim vs. The World Trailer [HD]

2010-04-26T14:39:00.000-07:00

The Sandman Paul Berry

2010-04-05T13:33:00.000-07:00

Sonnet 138 Dave McKean

2010-04-04T15:26:00.000-07:00

Next Bill Purves

2010-03-25T22:04:00.000-07:00

Next: Shakespeare performs all of Shakespeare in 5.14 minutes.

Apología de la estupidez por Javier Cercas

2010-03-13T13:00:00.000-08:00

Palos de ciego
Apología de la estupidez por Javier Cercas
Ya sé que no se lo van a creer, pero el Premio Darwin existe. Se concede cada año, a través de Internet, a aquellas personas cuya estupidez terminal les ha llegado a eliminarse involuntariamente de este valle de lágrimas, contribuyendo así al bienestar general y la mejora de la especie. Por supuesto, dado que los ganadores siempre han fallecido, el premio nunca ha podido entregarse. Uno de los últimos galardonados fue Abraham Mosley, un paciente de garganta de 64 años de edad que intentó encender un cigarrillo en un hospital de Florida y consiguió prender fuego a la venda que le rodeaba la garganta y a su pijama; como le habían extirpado las cuerdas vocales, no pudo pedir ayuda y murió quemado vivo en su cama. Otro de los galardonados fue el líder de una secta cristiana de Los Ángeles, quien todos los días intentaba seguir a rajatabla el ejemplo de Jesucristo y caminar sobre el agua, hasta que murió inesperadamente el 24 de noviembre de 1999, cuando resbaló con una pastilla de jabón mientras practicaba en su bañera.
El Premio Darwin es un premio a la estupidez, así que todos somos candidatos a él; no resulta muy halagador reconocerlo, desde luego -sobre todo para columnistas, tertulianos y demás ralea, que tenemos la autoestima muy alta-, entre otras cosas porque estamos convencidos de que la estupidez, como la muerte, es una cosa que siempre aflige a los otros. Es más: como dice Matthijs van Boxsel, "ninguna persona es lo suficientemente inteligente como para comprender su propia estupidez". Lo dice en la Enciclopedia de la estupidez, un ensayo algo caótico, pero divertido y original, que acaba de publicar la editorial Síntesis, un ensayo en el que las pocas personas sensatas que andan por ahí verán confirmada la incómoda sospecha que desde hace tiempo les asalta: que todos somos estúpidos. Van Boxtel es taxativo: el motor que mueve el mundo no es el amor (Dante), ni el sexo (Freud), ni el dinero (Marx), sino la estupidez, hasta el punto de que la inteligencia y la cultura no son más que los vanos intentos que a lo largo del tiempo ha realizado la civilización para combatirla. Hay que reconocer que el argumento de Van Boxsel es convincente; también, que su libro es imposible: si todos somos estúpidos, si la estupidez es el motor y origen de todo y todo lo permea, entonces una enciclopedia completa de la estupidez tendría que tener el tamaño del mundo, porque debería contener todas y cada una de nuestras estupideces, que son por definición infinitas. Consciente del tamaño imposible de su empresa, Van Boxsel se limita a ofrecer una nutrida pero selecta antología de estupideces memorables; entre ellas: un estudio sobre el efecto que tienen los vientos de costado en las sumas aritméticas, un estudio sobre el peso específico de un beso, un estudio sobre la superficie de Dios, una estadística del cosquilleo, un estudio sobre la influencia de las colas de pez en las olas del mar... En fin: para aceptar que Van Boxsel tiene razón no hay más que recordar la cantidad descomunal de gente que ha muerto y sigue muriendo por estupideces palmarias relacionadas con los embelecos de la raza, la nación o la religión.
Pero ya les estoy oyendo: ¿seguro que todos somos estúpidos?¿También Dante, Freud y Marx?¿También el mismísimo Van Boxsel? "La estupidez no es mi fuerte", afirmó en 1895 Monsieur Teste. "Hay un estúpido dentro de mí", anotó quince años más tarde Paul Valéry en sus Cahiers; "debo aprovecharme de sus errores". Teste es una invención de Valéry, un personaje ideal: la encarnación épica de la inteligencia pura; Valéry, en cambio, es un hombre de carne y hueso, pero también una de las inteligencias mejor amuebladas del siglo XX, lo suficientemente amueblada como para comprender su propia estupidez. Por eso la frase de Valéry es mucho más útil y más realista (y por tanto más inteligente) que la de Teste: por poco halagador que resulte reconocerlo, lo único que un hombre de carne y hueso puede hacer en este valle de lágrimas es aprovechar su propia estupidez. Tal vez en eso consiste la inteligencia: lo mismo que sólo se puede llegar a la verdad a través del error, sólo se puede llegar a la inteligencia a través de la estupidez. Pero para eso hay que empezar por reconocerla, como Valéry, y no fingir que uno es Monsieur Teste, como hacemos todos los demás, en especial columnistas, tertulianos y demás ralea. Eso es exactamente lo que hicieron Dante, Marx y Freud, y también Van Boxsel; eso es exactamente lo que hace David Trueba, que encabeza su último libro, Tragarse la lengua y otros artículos de ocasión, con estas palabras inteligentes a más no poder de Sir Arthur Streeb-Greebling, quien, dicho sea entre paréntesis, estoy seguro de que con ellas ha contribuido al bienestar de la especie mucho más que el Premio Darwin: "He aprendido de mis errores. Estoy seguro de que puedo repetirlos".

El Pais Semanal Nº 1426 Domingo 25 de enero de 2004

The Cat Piano The People’s Republic of Animation

2010-03-13T12:22:00.000-08:00

The Cat Piano from PRA on Vimeo.

Le Lac Gelé Jean-David Fabre, Fabien Guillaume, Sébastien Hary, Paul Nivet, Vincent Verniers

2010-03-09T14:19:00.001-08:00

Vincent Tim Burton

2010-03-07T11:21:00.000-08:00

Nuit Blanche Arev Manoukian

2010-03-07T09:49:00.001-08:00

Nuit Blanche from Spy Films on Vimeo.

World War Vincent Chai

2010-02-25T08:15:00.000-08:00

World War - 3D Animation @ University Of Hertfordshire 2008 from Digital Animation Herts Uni UK on Vimeo.

Garuda

2010-02-22T01:58:00.000-08:00

Garuda
Nicolas Athane, Meryl Franck, Alexis Liddell, Andres Salaff, Mailys Vallade

Garuda from Andres Salaff on Vimeo.

Concert Visuals by Naked

2010-02-19T16:02:00.000-08:00

COEUR DE PIRATE from NAKED COMPAGNIE © on Vimeo.

DAVID GUETTA - VISUAL from NAKED COMPAGNIE © on Vimeo.

Drift by Theo Tagholm

2010-02-10T14:51:00.001-08:00

Drift from mustardcuffins on Vimeo.

Pivot by Pivot

2010-02-10T14:24:00.000-08:00

Pivot from Pivot on Vimeo.

parkour motion reel by saggyarmpit

2010-01-28T12:10:00.000-08:00

parkour motion reel from saggyarmpit on Vimeo.

This Is Where We Live by 4th Estate

2010-01-26T03:29:00.000-08:00

This Is Where We Live from 4th Estate on Vimeo.

Aides Graffiti by Yoann Lemoine

2010-01-25T14:15:00.000-08:00

by Lemoine,spot for France’s TiJi children’s cable channel

2010-01-25T13:55:00.000-08:00

Anuncio Freixenet Cordon Negro

2010-01-07T15:14:00.000-08:00

Tiernos monstruos

2010-01-07T13:58:00.000-08:00

Tiernos monstruos

El cineasta más personal y visionario de nuestro tiempo relata, con textos y dibujos, su carrera en un libro para adictos que publica en España Alba Editorial

En 1989, Johnny Depp entró en una cafetería de Los Ángeles, donde había quedado con Tim Burton. No le conocía y su aspecto de loco hipersensible le impresionó. “Era un hombre pálido, de aspecto frágil y ojos tristes, con un pelo que expresaba muchas más cosas que la lucha de la noche anterior con la almohada. Un mechón hacia el este, cuatro puñados al oeste, un remolino y el resto de aquel sinsentido apuntando a todas partes, norte y sur”. Cuatros años después, Depp ya había protagonizado “Eduardo Manostijeras”, y “Ed Wood” y su imagen de Burton se había transformado en una profunda admiración: “Es un artista, un genio, un excéntrico, un amigo enloquecido, brillante, valiente, locamente divertido, leal, inconformista y sincero. Nunca he visto a nadie tan inadaptado adaptarse tan bien. A su manera”. Tenía razón. Las películas de Burton, desde “Vincent” (1982) hasta “Mars Attacks” (1996), han recaudado más de mil millones de dólares. Ha conseguido que el público adore a sus personajes tan malvados y tan tiernos. Tan ambiguos e inquietantes. Monstruos. Como todos nosotros.

Eduardo Manostijeras (1990)

“Primero vino la imagen, ligada a esa sensación de no ser aceptado. Luego, a partir de eso, vinieron las imágenes del hielo y de los setos, como una consecuencia natural del hecho de que se convirtiera en algo útil y accesible. Y luego estaba el mundo al que llegaba; eso surgió al acordarme de mi infancia en ese mundo de las urbanizaciones (…)Hay una especie de ambigüedad, un vacío, y esto es algo que recibí con mucha fuerza de mi familia. Los cuadros que mi familia tenía en las paredes, nunca entendí que les gustaran (…) A veces me sentaba a mirarlos y pensaba: ¿Qué coño es eso? ¿Qué son esas uvas de resina? ¿De donde las han sacado? ¿Qué quieren decir?. Crecer en una urbanización es como crecer en un lugar donde no hay sentido de la historia, ni sentido de la cultura, ni sentido de la pasión por nada (…)Así te veías obligado a adaptarte y eliminar una gran parte de tu personalidad, o bien a desarrollar una vida interior muy fuerte que te hacía sentirte al margen”.

Vincent (1982)

“Vincent Price, Edgar Allan Poe, aquellas películas de monstruos, aquello me decía algo. Ves a alguien pasando toda esa angustia y tortura, cosas con las que te identificas, y funciona como una especie de terapia, de relajación (…) Eso es lo que Vincent fue para mí. (…) Él se identifica y se cree que es Vincent Price y ves el mundo a través de sus ojos. Por decirlo de alguna manera, acciona el interruptor de dentro y fuera de la realidad y acaba con una cita de El cuervo. La gente de Disney pensó que moría, pero sólo está allí tirado. ¿Quién puede decir si está realmente muerto o tan a gusto en su pequeño mundo onírico? Querían que tuviera un final más elevado, pero yo nunca lo vi bajo en ningún sentido. Curiosamente, creo que las cosas son más interesantes si se dejan a la imaginación de cada uno. Esos finales felices cerrados siempre me han parecido algo psicóticos. Querían que pusiera al padre encendiendo la luz y diciéndole: “Vámonos a un partido de fútbol o de béisbol”. Ése fue mi primer encontronazo con el síndrome del final feliz”.

Bitelchús (1988)

“Había un cementerio al lado de donde vivíamos, como a una manzana, y yo solía jugar allí. No sé exactamente por qué sigue apareciendo – en mis películas-, excepto por el hecho de que es parte de mi alma; era un lugar en el que yo me encontraba tranquilo, cómodo; todo un mundo de paz y tranquilidad, y también de emoción y drama. Todos esos sentimientos en uno solo. Estaba obsesionado con la muerte, como muchos niños. Había lápidas sencillas, pero también mausoleos extraños de esos con verjas raras en un lado. Y yo paseaba por allí a cualquier hora del día o de la noche. Me colaba dentro y jugaba y miraba las cosas”.

La Época Disney

“Lo raro de la Disney es que quieren que seas un artista, pero al mismo tiempo quieren que seas un obrero de fábrica, un zombi sin personalidad. Hay que ser una persona muy especial para hacer que estas dos partes del cerebro coexistan, así que me sentía emocionalmente confuso en aquel momento y no podía funcionar muy bien. Aprendí a dormir sentado y sujetando un lápiz en la mano(…)Yo era muy raro entonces(…)Me podía encerrar largos ratos en un armario sin salir, o sentarme sobre o bajo la mesa, o hacer cosas raras como sacarme las muelas del juicio e ir por ahí llenándolo todo de sangre. Pero ya he superado eso. Ya no me encierro en los armarios. Me mantenían a distancia, pero, al mismo tiempo, me dejaban vivir. Supongo que trabajaba lo suficiente para que no me despidieran. Sólo tenía que hacerlo rápido y, como de todas maneras no sabía dibujar, no importaba cuanto tiempo le dedicara(…)Pero, como hacía aquellos otros dibujos, la gente los pudo ver y llegué a hacer otras cosas –Hansel y Gretel (1982) y Frankenweenie(1982)”.

La gran aventura de Pee-Wee (1985)

“Para ser director, no se puede tener ningún miedo. En el mejor de los casos, tienes que tener el sano equilibrio para no ser un egomaniaco, pero con la suficiente seguridad en ti mismo para aguantarlo. También creo que la ignorancia ayuda. De hecho, alucinas cada vez más según vas acumulando experiencia; te das cuenta de que eres cada vez más raro. En mi primera película estuve más seguro y tranquilo que en ninguna otra. Lo pasé en grande(…)No salí de Pee-Wee pensando que había aprendido esto o lo otro, porque probablemente aquélla fue la experiencia más pura que haya tenido y parte de ello se debe a mi ingenuidad sobre toda la situación. He descubierto que hay cantidad de cosas desagradables en el cine y lo mejor es no quedarse con ellas. La memoria selectiva es muy curiosa, porque en todas las películas que he hecho me he puesto enfermo porque he puesto mucho de mí(…)He tenido que acabar aunque quería morirme. Por eso no me gusta saltar de una película a otra, porque es una experiencia demasiado dura”.

Batman (1989)

“La razón por la que nunca he sido un fan del cómic –y creo que eso comenzó cuando era un niño- es que nunca sabía cual era la viñeta que se suponía que tenía que leer. Por eso me encantó The Killing Joke, porque, por primera vez, podía saber cual leer. Es mi favorito(…)Pero, aunque nunca fui un gran fan del comic, me encantaba Batman, la personalidad desdoblada, la persona oculta. Es un personaje con el que podía identificar. El tener esas dos caras, una luminosa y otra oscura, y no poder resolverlas, es una sensación bastante común. Así que, a la vez que veo que el personaje tiene mucho de Michael Keaton, porque él está haciendolo realmente, también veo ciertos aspectos míos. De otra manera, no habría sido capaz de hacerlo. Este asunto de la doble personalidad se da tanto en cada persona que me parece alucinante que no haya más gente que lo entienda conscientemente. Todo el mundo tiene varias caras en su personalidad, nadie es una sola cosa. Especialmente en América(…)Lo cual es simbólico del carácter de Batman”.

Batman vuelve (1992)

“En este país, la máscara significa ocultarse, pero, cuando iba a las fiestas de Halloween, mi máscara me servía más como umbral, como una forma de expresarme. El hecho de ocultarnos nos ayuda, de una forma extraña, a abrirnos más, porque nos sentimos más libres. La gente se abría mucho más. Siempre eran más salvajes, porque se sentían como protegidos por sus máscaras. Es algo que he observado en nuestra cultura y que yo mismo he sentido. Cuando la gente va cubierta, surge una especie de libertad extraña. Lo lógico es que fuera al contrario, pero me he dado cuenta de que no es así.

Hay actores que han descubierto una fuerza en el disfraz. Siempre me ha encantado en todas mis películas. Michael y yo solíamos reírnos de ello, y yo mismo he llegado a soltar alguna carcajada. Te ves con un disfraz y es como una broma, increíble, y en cierto modo está muy bien, porque no puedes tomártelo a muy en serio. Tiene algo hermoso(…)Los actores lo pillaron muy bien, porque estaba claro que les había tocado sufrirlo mucho tiempo”.

Pesadilla antes de navidad (1993)

“Es curioso, mucha gente cree que las películas que he hecho van más que nada de la imagen que tiene. La gente no se da cuenta de que todo lo que he hecho tiene que significar algo; aunque no esté muy claro para nadie más, tengo que encontrar algo con lo que conecte y, la verdad, cuanto más absurdo sea el elemento, mayor será la sensación de tener que comprender lo que se oculta tras él. Por eso nos fascina el cine. Nos golpea en nuestros sueños y en nuestro subconsciente. Supongo que varía de generación en generación, pero las películas son realmente una forma de terapia y operan sobre nuestro subconsciente del mismo modo que, en su día, los cuentos de hadas.

En los cuentos indios no hay que tomar literalmente a la mujer-perro o al hombre-lagarto. Y eso pasa con las películas. Nunca he sido un erudito en esas historias, pero siempre las he agradecido. Es algo que, creo, no está muy inculcado en la cultura norteamericana, ese sentido del mito o de lo popular. Lo más que puede ofrecer Norteamérica es Johnny Appleseed, algo blando, mutado”.

Ed Wood (1994)

“Lo que me gustó de Ed Wood es su entusiasmo. Lo que me atrajo al leer las entrevistas con él, sobre todo dado que conocía sus películas y otros aspectos de su vida, era su extremado optimismo, hasta un grado increible de negación(…). A la gente le parecía curioso que yo hiciera esta película. Si he tenido tanto éxito, ¿por qué querría hacer una película sobre alguien que no tiene éxito? Pero, tal como yo lo veo, y como nos veo a él y a mí, cualquiera de mis películas podía haber fracasado, de verdad, por eso la línea entre el éxito y el fracaso es muy fina. Por eso me identificaba tanto con él. Eso es lo que creo y, quien sabe, mañana yo podría convertirme en otro Ed Wood. Créeme, si le hubieras preguntado al estudio antes de lanzar cualquiera de mis películas, no habrían previsto su éxito. Si es una película como Arma Letal (Lethal Weapon), entonces sí están más cómodos. Saben, que, probablemente, funcionará. Pero mis películas nunca han despertado esa seguridad, o sensación de confianza. Por eso me identifico con Ed. Me encanta por su entusiasmo y por sus errores, y por esa especie de sentimiento de negación”.

El Pais Viernes 13 de Noviembre de 1998

Portada de El Pais de las Tentaciones número 387

2010-01-06T14:41:00.000-08:00

Portada de El Pais de las Tentaciones número 387

Viernes 23 de Marzo de 2001

Autor: Jose Luis Agreda

Innovar desde la mirada

2010-01-06T14:27:00.000-08:00

Innovar desde la mirada

¿Creías que ya estaba todo hecho en el mundo de la moda? Pues no. BIG, una revista de vocación cosmopolita cuya base es la imagen, rompe esquemas con un número dedicado íntegramente a una sola mujer.

Texto: Bárbara Celis

Una sola mujer para 130 páginas de revista. Y no se trata de cualquier mujer. Big es el escaparate desde el que 14 renombrados fotógrafos ofrecen sus diferentes visiones de la modelo brasileña Gisele Bündchen. Esta joven de 19 años, que acaba de asaltar las pasarelas internacionales, posiblemente sea la primera mujer que monopoliza por completo el contenido de una revista. Una apuesta más por la innovación, adicción favorita de Marcelo Jünemann.

“Quería algo diferente, de mucha calidad y que no se hubiese hecho nunca antes”. Con esta premisa, este chileno-español de 40 años afincado en Madrid hasta hace cuatro, se inventó en 1992 una revista bimensual que nació para ser un catálogo de modas, pero que se transformó, rápidamente, en algo mucho más ambicioso. “Quería traducir al papel, mediante la fotografía y el diseño gráfico todo tipo de ideas”. Conceptos abstractos como lo sublime, países complejos como Japón o la presencia de la moda en el rock son algunos de los temas que ha tocado la revista, que habla, fundamentalmente, con imágenes a la que a veces apoyan pequeños textos y no viceversa, como suele ocurrir en la mayoría de las publicaciones.

Jünemann intentó prolongar la vida de la revista Big en España hasta que en 1995 se hartó de ser ignorado por el mundo editorial y artístico y se plantó en Nueva York. Allí encontró el apoyo económico y creativo que no encontró aquí, consiguiendo en poco tiempo que la revista creciese hasta los 30.000 ejemplares de tirada y se distribuyese en 20 países. “En España falta entusiasmo. No hay iniciativa, y a la gente le da miedo meterse en proyectos”, explica con voz amarga a través del hilo telefónico.

Cazando talentos

Jünemann tiene una teoría: el talento se agota. “Se me acabó la gente con la que trabajar, porque nadie puede ser brillante cada dos meses”. Por eso ahora, aunque el hogar de la revista sea Nueva York, cada número se hace en un país diferente, con un director de arte distinto e intentando conseguir los mejores fotógrafos de cada lugar. Le dedican casi un año a la elaboración de cada número. “Y obtenemos la entrega absoluta de los que participan porque saben que no repetirán”.

Con el especial Gisele, que estará en los quioscos en mayo, Jünemann y su equipo. – dirigido en esta ocasión por Lee Swillingham y Stuart Spalding, directores de arte de la publicación británica The Face y nuevos directores de la revista de tendencias Dazed and Confused- propusieron a los fotógrafos competir entre ellos utilizando a la misma modelo. El próximo reto es Brasil. El turno de España llegará en el 2.000. La revista Big sigue así acumulando méritos para mantener su status: estar entre los grandes.

El Pais, viernes 16 de abril de 1999

Malditos músicos

2010-01-05T04:01:00.000-08:00

Malditos músicos

La cuneta del rock está sembrada de muertos. Un lema se ha acuñado con dolor: morir joven. Los periódicos aguardan su próxima ración de tragedia con una duda: ¿Quién es el siguiente?

Texto: Santiago Alcanda

Durante las últimas cuatro décadas, el rock and roll ha imitado y superado los escándalos y las tragedias de la época dorada de Hollywood. Las páginas de sucesos se han llenado de accidentes aéreos, sobredosis mortales, violaciones y asesinatos protagonizados por figuras demasiado jóvenes. Morir joven es una constante que ha convertido a algunos personajes, sólidos como músicos pero débiles como personas, en gurús de un extrañó sentimiento trágico. El titular “El cantante de Depeche Mode sobrevive a un intento de suicidio” es uno de los ejemplos más recientes. Dave Gahan, de 33 años, fue hospitalizado con las muñecas cortadas por una cuchilla de afeitar. Fue, una vez más, un asunto privado, pero con repercusión pública. De ahí la imagen satanizada que la música popular ha adquirido en las mentes de los bien pensantes. Éstos son algunos de los episodios más dramáticos del rock.

El desaparecido

“La tragedia consiste en que nadie ve la mirada de desesperación en mi cara. Somos miles y miles y pasamos en uno al lado del otro sin una mirada de reconocimiento”. Esta cita de Henry Miller se recoge al pie del título Espectadores del suicidio, una de las 18 canciones del álbum Generation terrorists del cuarteto inglés Manic Street Preachers, que, desde el pasado 1 de febrero, vive una tragedia típica del programa ¿Quién sabe donde? Su guitarrista Richey Edwards, abandonó ese día su coche en el puente Seven Bridge que une las tierras inglesa y galesa en el camino de Londres a Cardiff. “Todo lo que sabemos es que se marchó sin motivo alguno del Embassy Hotel, a las siete de la mañana, y que ha desaparecido sin dejar rastro”, cuenta Graham Edwards, padre del músico, quien no oculta que la familia estaba al corriente de los graves problemas emocionales y depresivos que padecía su hijo. “Por supuesto, todos conocíamos su situación, debido a que en el mundillo del rock existe mucha presión, pero ahora sólo queremos tener contacto con él y saber que se encuentra bien”. El inspector Frank Stockholm, al frente de su equipo de la policía galesa de Cardiff, rastreó el río por si se encontraba algún cuerpo sin identificar. Nada. Siete meses después, Edwards sigue sin dar señal alguna.

La pirómana

Mientras la opinión pública estadounidense asistía al juicio de O.J. Simpson por el asesinato de su esposa, Nicole, una rapera de 22 años, conocida como Lisa “Left Eye” Lopes, la más carismática del trío TLC, que lleva vendidos casi cuatro millones de discos de Sexycrazycool, fue detenida por la policía de Atlanta acusada de un delito mayor de incendio intencionado. La madrugada del 9 de junio de 1994, la mansión de su novio, Andre Rison, famoso jugador de futbol americano de los Atlanta Falcons, ardió totalmente. La casa estaba valorada en unos 250 millones de pesetas. Fue el último de una serie de sucesos violentos que protagonizó la pareja en menos de un año. La madre de Rison nunca aprobó la relación: “Espero que, después de esto, todo se haya terminado entre ellos. Esa chica, o se va a la cárcel, o a un manicomio. Su única defensa sería alegar locura transitoria”. Lisa Left Eye (Ojo izquierdo) – a veces lleva unas gafas con una lente en el ojo derecho y un condón en el izquierdo- ingresó en una clínica para alcohólicos. Ahora cumple la prohibición de salir del Estado de Georgia en un periodo no menor de dos años, según su comportamiento.

El violador

Otro rapero, 2Pack, lleva unos cuantos millones de copias vendidas de su primer álbum, Yo, contra el mundo, un repertorio que destila desesperación, soledad y mucha furia. El día que 2Pack entraba en unos estudios de Broadway para iniciar la grabación del disco, un joven le disparó en un acto desenfrenado de venganza. 2Pack acababa de cumplir una condena de 2 años por violar a la hermana de su agresor, una admiradora.

¡Adiós a las armas!

Las pistolas han cambiado el curso de la música popular más reciente. La noche del 11 de diciembre de 1964, Bertha Franklin, dueña del Hacienda Motel, en Los Ángeles, vio entrar en su recepción a una chica que 20 minutos antes se acababa de registrar junto a un hombre. La chica telefoneó a la policía pidiendo ayuda: “He sido secuestrada”. Poco después, el hombre llamó a la puerta preguntando por la chica. “No he visto a ninguna chica”, le respondió la regenta. El hombre forzó la puerta y quiso entrar en la habitación. Forcejeó con la mujer y ambos cayeron al suelo. “Me levanté, le pegué una patada”, declaró la señora Franklin, “y me apresuré a coger la pistola, que estaba junto al televisor. Disparé a quemarropa tres veces”.

Acababa de matar a la figura de la música negra más importante del momento: Sam Cooke, el autor de maravillas como Wonderful World o Chain gang.

La señora Franklin declaró que había tratado de evitar que Cooke violara a la joven. Y Elisa Boyer, la chica de 22 años, manifestó que había conocido al difunto en un club nocturno. La invitó a tomar una copa en otro sitio y la obligó a ir al motel donde intentó forzarla. El caso se consideró homicidio justificado.

Una bala fue el principio de una vida trágica para Jackie Wilson. El 15 de febrero de 1961, Juanita Jones, una fan apasionada, entró en su apartamento para pedirle un poco de cariño con un arma como instrumento seductor. Wilson intentó desarmarla, la pistola se disparó, la bala entró en su estomago y se alojó en su espalda. Los médicos consideraron peligrosa la extracción de la bala. En 1975, Wilson sufrió un infarto mientras actuaba en Mueva Jersey. Cayó en coma y la falta de oxígeno le lesionó el cerebro hasta provocarle una parálisis total a la que sobrevivió a duras penas nueve años.

Bob Marley padeció un atentado terrorista en noviembre de 1976, en un periodo de violencia ante las elecciones de su país. Siete pistoleros de la organización Concrete Jungle, que acusaba al rasta de “capitalista vendido”, entraron en su casa de Kingston. Dos se quedaron en el patio y uno de ellos, al ver a Rita Marley salir de la casa con sus cinco hijos, disparó e hirió a la esposa de Marley en la cabeza; otro, de unos 16 años, vació su cargador en el estudio donde estaban en teclista Tyrone Dwonie y su novia; y otro, con un rifle automático, entró en la cocina donde estaban Bob y su representante, Don Taylor, y apretó ocho veces el gatillo. Cinco balas hirieron a Taylor, que sirvió de escudo a su artista. Marley recibió un impacto en el pecho, debajo del corazón. No hubo muertos. Hace unos meses, Rita explicó a El Pais que la CIA había estado detrás de este suceso. Marley falleció en mayo de 1981 a causa de un cancer de pulmón y un tumor cerebral.

Todos detestamos las cinco balas de Mark Chapman que asesinaron a John Lennon en la entrada del edificio Dakota de Manhattan, el 8 de diciembre de 1980. Y la que, cuatro años más tarde, quitó la vida a Marvin Gaye. La víspera del 45º cumpleaños de Marvin, su padre, un recto reverendo que no admitía la vida lujuriosa de su hijo, acabó una discusión con un disparo. El autor de Sexual Healing ya había confesado a su familia que en más de una ocasión había estado a punto de pegarse él mismo un tiro en la sién. El padre fue sentenciado a cinco años de prisión por homicidio voluntario.

Kurt Kobain coqueteó con la aguja y la pistola para quitarse de en medio. En Roma, el 4 de marzo del 94, le fallaron las 60 píldoras analgésicas que se tragó. Dos semanas después, su madre llamó a la policía porque Kurt se había encerrado en su habitación amenazando con suicidarse. La policía confiscó varios revólveres del calibre 38, una pistola semiautomática Baretta, un rifle de asalto AR15, 25 cartuchos y una gran cantidad de medicamentos sin identificar. El 8 de abril, Cobain apretó el gatillo. En 1991, Cobain había confesado a la revista californiana BAM: “Espero morir antes de convertirme en un Pete Townsend. Por eso quiero destruir mi carrera antes de que sea tarde, antes de sentirme ridículo. Hay un montón de cosas que me gustaría hacer de mayor. Por lo menos tener una familia, eso me haría feliz”.

Drogas, rock, alcohol y muerte

“Cada yonqui es una puesta al sol”, cantaba en 1972 Neil Young en The needle and the damage done, un lamento por el amigo que se pierde de un pinchazo, Danny Whitten, guitarrista de su grupo Crazy Horse, autor de I don´t want to talk about it que hizo éxito Rod Stewart. “La heroína es mi esposa, mi vida” entonó hace 30 años Lou Reed al frente de la Velvet Undergound. Y en su nuevo álbum One hot minute, en canciones como My friends o Deep Kick, Red Hot Chili Peppers no cesan de añorar a su amigo Hillel Slovak, caído de un pico fatal en junio del 88. Este año se cumplen 100 años de la invención de la aguja hipodérmica, y su uso parece más frecuente que nunca entre las nuevas generaciones del rock.

Brian Jones se fue de los Rolling Stones en junio de 1969 y dos meses después su novia, Anna Wohlin, lo halló muerto en la piscina de su casa. La policía cerró el caso, que consideró una desgracia, “al ahogarse la víctima bajo los efectos del alcohol y otras sustancias”. La prensa anglosajona aún se pregunta si en verdad Jimi Hendrix murió asfixiado en su vómito mientras dormía en un hotel londinense después de ingerir barbitúricos. Janis Joplin tenía 30 años cuando murió de sobredosis del 4 de octubre de 1970. El 3 de julio del año siguiente, un ataque al corazón aniquila a un tipo de 28 años que quería ser poeta en París: Jim Morrison. Su chica, Pamela, se inyectó una dosis mortal tres años después.

El pionero del country-rock Gram Parsons pereció también de un paro cardíaco producido por un extraño cóctel de distintas sustancias más tequila el 19 de septiembre de 1973. Su familia había planeado transportar el cadáver desde el hospital de Yucca Valley a Los Ángeles pero a la llegada al aeropuerto el féretro desapareció. Phil Kauffman, su representante, y otros amigos cumplieron un pacto previo con Parsons y quemaron su cuerpo en medio del desierto.

Cuando el cuerpo de Elvis Presley explotó el 16 de agosto de 1977 en su paraíso de Memphis, Tenessee, nadie ignoraba su carrera galopante de excesos entre alcohol, somníferos, cocaína y otras sustancias. Fue otra muerte anunciada. Nancy Spungen apareció acuchillada en la habitación de su hotel el 12 de octubre de 1978. Su novio, Sid Vicius, el violento bajista de Sex Pistols, fue acusado del asesinato. A la espera del juicio, cuatro meses después, Vicius se propinó una sobredosis que le llevó al otro barrio durante su sueño placentero. En septiembre de 1978, Keith Moon, el alocado y genial batería de los Who, se sobrepasó con la cantidad de un medicamento que le habían prescrito para combatir su alcoholismo agudo y murió en el mismo apartamento donde Mama Cass, de Mamas and The Papas, había muerto repentinamente cuatro años antes. En 1953, el alcohol también había consumido al gran Hank Williams a sus 30 años.

El caballo diabólico acabó con Phil Lynott, líder de Thin Lizzy, el 4 de enero de 1986. Dicen que Johnny Thunders sobrevivió más de lo natural por su adicción al jaco. Jaco Pastorius, tan revolucionario para el bajo como Hendrix lo fue para la guitarra, alcohólico y heroinómano, padecía una depresión maníaca, y una pelea callejera a las afueras del Midnight Club, cerca de su casa en Florida, le hirió de muerte. Su amigo Bobby Caldwell insiste en que Jaco, sencillamente, se dejó matar, como Billie Holiday, Charlie Parker y otros desgraciados del Club Romántico de Junkies del Rock y del Jazz, ese estúpido club al que se refirió Wendy O´Connor, la madre de Cobain, cuando se enteró de la muerte de su hijo.

Quien no deseaba en absoluto entrar en ese club maldito era Antonio Flores. Se durmió para siempre en una noche indeseable bajo el techo de su casita de La Moraleja (Madrid). Ese pasado de excesos con que había roto le pasó factura. Algunas preguntas siguen sin respuesta: ¿Se suicidó Will Sinnott, bajista del grupo escocés Shamen, cuando se ahogó en una playa de La Gomera en 23 de mayo del 91?¿Por qué se ahorcó con la cadena del retrete Richard Manuel, el excéntrico pianista de The Band?

Caidos del cielo

La carretera fue mortal para Eddie Cochran la noche del 17 de abril de 1960, cuando reventó un neumático del coche en el que iba también Gene Vicent desde Bristol al aeropuerto de Heatthrow, cerca de Londres. Cochran tenía 22 años. El pegamoide Eduardo Benavente sólo contaba 20 al morir, a la altura de la localidad riojana de Alfaro, una tarde lluviosa de sábado, en mayo del 83, en el Seat Ronda donde viajaban también sus amigos Ana Curra y Toti Árboles, de Parálisis Permanente. Ana y Toti salieron ilesos. Fatal suerte también sufrieron Otis Redding, Duane Allman, Tommy Caldwell, o los españoles Nino Bravo, medio grupo de Los Ángeles, Canito y Pedro (primer y segundo baterías de Los Secretos), Ulises Montero de Gabinete Caligari, el pionero Bruno Lomas…

No fueron menos fatídicos ciertos viajes aéreos. Buddy Holly, con sólo 21 años; Richie Valens, con 19, y Big Bopper, de 28, fallecieron en el mismo avión que habían alquilado para tocar en Minnesota. La mejor cantante country del siglo Patsy Cline, con 31; Jim Croce, con 32; Rick Nelson, con 45, o Steve Ray Vaughan, con 36, cayeron en circunstancias semejantes. En octubre de 1977 un avión procedente de Greenville, Carolina del Sur, con destino a Baton Rouge, en Luisiana, se estrelló. El cantante de Lynyrd Skynyrd, Ronnie van Zandt, su hermana Cassie, el guitarrista Steve Gaines y el representante Dean Kilpatrick murieron en el siniestro. Ese mismo mes, el nuevo álbum de la banda sureña se tituló Street survivors, y presentaba en portada una imagen macabra de los miembros supervivientes sumidos en llamas.

Antecedentes escandalosos

En el pasado ya hubo casos sonados que llevaron el rock a las páginas de sucesos. Chuck Berry inició en febrero de 1962 una condena de dos años en la prisión federal de Indiana (EE UU) por violar la llamada Acta Mann, es decir, por acoger en su garito de San Luis a una menor. La chica, de 14 años, no le perdonó que la despidieran bajo la sospecha de ejercer la prostitución, y se vengó acudiendo a la policía y contando que había recibido de Berry proposiciones deshonestas.

Keith Richards no se cansa de repetir que él nunca ha tenido problemas con las drogas, sino con la policía, y es fácil perder la cuenta del número de encarcelamientos que él y Mick Jagger han sufrido a causa de la marihuana, la coca o la heroína, experiencia que conocen a fondo mil y un rockeros, desde Sly Stone a David Crosby. Este último fue condenado en agosta de 1983 a cinco años en la cárcel de Tejas por posesión de cocaina y una pistola ilegal. Recurrió la sentencia y le conmutaron el castigo por un programa de rehabilitación en Nueva Jersey. Tras escaparse del hospital fue realojado en la cárcel de Dallas.

Su amigo Don Henley tuvo que cumplir también un programa obligatorio de rehabilitación. El hombre de los Eagles que cantó Hotel California fue arrestado el 21 de noviembre de 1980 cuando la policía encontró en su casa de Los Ángeles a una chica de 16 años, desnuda y víctima de una sobredosis. Henley pagó una multa de 2.000 dólares (unas 250.000 pesetas) y vivió en libertad condicional un par de años.

James Brown, el gran reverendo del funk, protagonizó un escandalo más sonado en 1987. La policía lo detuvo por exceso de velocidad. Le descubrieron drogas y armas, y Brown se puso chulo e intentó agredir a un oficial. Le cayeron seis años y medio. El Padrino aprovechó para componer nuevas canciones.

Más peligroso que el maestro negro, Snoop Doggy Dog, un rapero ganster forrado hasta las cejas por los cuatro millones de copias de su primer álbum, Doggystyle, sigue metido en las correrias armadas de la banda The Crips por las calles de Long Beach, en Los Ángeles. Vendía crack a los 13 años, fue al trullo a los 18, y ahora, a los 24, afronta la grave acusación de asesinato por disparar desde su coche a un rival en agosto de 1994. Aunque la justicia no tenga pruebas de que él disparó, los tres años a la sombra por reincidencia en la posesión de armas no se los quita nadie. Niggers With Attitude, Ice T y su banda Body Count, o Schoolly D, son otros mensajeros del hardcore-rap, que la sociedad políticamente correcta de EE UU repudia por sus cánticos hedonistas y violentos.

El Pais viernes 20 de Octubre de 1995

Portada de la revista Rolling Stone nº285

2009-12-31T04:13:00.000-08:00

The Blues Brothers, Dan Aykroyd & John Belushi. Fotografía de ANNIE LEIBOVITZ 22 de Febrero 1979

By Tim Nowaks

2009-12-29T17:04:00.001-08:00

El retorno de las dominatrices

2009-12-29T16:25:00.000-08:00

El retorno de las dominatrices

Con la mirada no se peca. Al menos eso pensaban los lectores de Exotique, una mítica revista norteamericana que en los años cincuenta instauró el modelo de la dominatrix urbana. Ahora se reeditan sus primeros números.

Texto: Yago Barja

El corsé de Lana era de una sola pieza en cuero rígido. Sostenía sus pechos cremosos, levantándolos y proyectándolos hacia delante, acentuando un escote de vértigo…”. Este breve apunte sobre la protagonista de un relato erótico de Exotique: Lana Clark, una “chica sensible” del East Side neoyorquino, nos da el modelo de mujer que la mítica publicación de lo “raro y lo bizarro” ofrecía a un público adicto al fetichismo. Hombres solitarios que veían en las páginas de Exotique un filón para satisfacer sus fantasías sexuales.

Casi medio siglo después de la publicación de su primer número, los mejores momentos del juguete escandaloso del editor Leonard Burtman se reeditan en edición facsímile por Taschen en una impecable caja de tres volúmenes. Burtman, nacido en 1920 en el Bronx, empezó vendiendo sus primeros ejemplares al pie de su coche. Y fue tal su éxito que pronto acabó distribuyéndolos más allá de los circuitos underground, desde Times Square a Atlantic City. Pero los relatos eróticos no eran su único gancho. Arropado por los mejores ilustradores y fotógrafos de pin-ups de la escena de Nueva York, Burtman dio forma sobre papel barato a un prototipo de mujer fatal que ya se paseaba por filmes de cine negro de los años cuarenta, desde la Barbara Stanwyck de Perdición a la Rita Hayworth de Gilda; una nueva especie de dominatriz exuberante, capaz de seducir a hombres débiles que eran involucrados inmediatamente en sus proyectos más perversos.

Chicas prometedoras

Frente a la imagen clásica de la pin-up platino, descerebrada y coleccionista de modelos de Dior, tan bien descrita por Anita Loos en Los caballeros las prefieren rubias (Tusquets, 1986) Exotique descubría a una mujer esbelta, con tacones de aguja muy afilados, ligas y guantes negros. Una chica prometedora que bien podría ser la vecina del quinto. Una vista rápida a las modelos de la revista ofrece un morboso repertorio de mujeres atadas, amordazadas, en posiciones dolorosas, con los ojos tapados. Señoritas en apuros que en momento cumbre se transforman en la Venus de los cueros que anhela todo sadomasoquista.

Esta nueva estética abriría además nuevas perspectivas a esas chicas de físico exagerado que, por arte de la lencería y el cuero, soñaban con transformarse en mujeres poderosas, orgullosas de sus grandes caderas, cinturas de avispa y pechos de la talla 100. Los artistas de Exotique crearon para ellas una moda íntima, agresiva, capaz de satisfacer la imaginación de los pelotones de marines que frecuentaban las librerías pulp de la época. Sus novias del Medio Oeste, aprendices de Doris Day, de curvas camufladas bajo vestidos amplios, las consideraban su bestia negra.

Otra especialidad de la revista era combinar ilustración con fotografía, así que las mejores chicas de la industria porno hacían cola para posar en sus páginas en tinta china. El propio Burtman fotografiaría a muchas, siempre en blanco y negro. Su meticuloso sistema de trabajo fue clave del éxito. Se pasaba horas discutiendo el estilismo con los artistas. Luego se decidía dónde y cómo debían posar las modelos: siempre en ambientes kitch muy realistas, entre sofás y cocinas; y ellas debían lucir desde la cumbre peligrosa de sus tacones y alzas una mirada castigadora. Y, sobre todo, Burtman se cuidaba de exigirles lo máximo por el menor precio. Exotique fue depurando con los años su imagen y estilo literario. Y aunque su fórmula no varió, hubo una sección que conoció un especial desarrollo: el buzón de correo, al que también escribían mujeres. Las fantasías se exponían en toda su crudeza, con humor y sin pudor. Era la marca de la casa: escrutar a través del ojo de la cerradura las quimeras que decoran el sexo y lo vuelven lúdico. Sobre todo cuando el corsé y el látigo entran en acción.

La familia “Pin-up”

Florenz Ziegfeld

En los años veinte, este empresario de Broadway tuvo el acierto de importar directamente desde Pigalle el teatro de variedades montando espectáculos de éxito como “Glorifying the american girls”. La desmesura era su estética, y en base a ella definió el prototipo de “chica Ziegfeld”: la nueva belleza americana representada por ojos grandes y expresivos, la espalda larga y los hombros sensuales, las piernas torneadas y medidas perfectas de Louise Brooks.

Alberto Vargas

Este peruano de Nueva York empezó con Florenz Ziegfeld diseñando los carteles de sus espectáculos. Su estilo sofisticado de estética art decó hacía que las bailarinas lo adorasen. Estableció el canon de belleza perfecta, tapizada de pieles, rasos y sedas. En sus desnudos siempre había un lugar para un exotismo que elevaba la temperatura y fundía los sentidos. Que se lo digan si no a los aviadores de la II Guerra Mundial, que volaban con una chica Vargas pintada en el fuselaje de sus cazabombarderos.

Robert Harrison

En los años cincuenta, este editor vendió millones de ejemplares de sus revistas para hombres, como “Whisper”, “Beauty Parade” o “Confidential”, ésta última la publicación más escandalosa de la época, fuente de inspiración de la prensa sensacionalista de su tiempo. Debe gran parte de su éxito a los ilustradores Peter Driben, Earl Morgan y Billy de Vorrs.

Betty Page

Es la pin-up por excelencia. Empezó su carrera en las revistas de Harrison. Posó para los mejores fotógrafos de chicas de los años cincuenta y sesenta. Su melena negra enmarcaba un rostro de vampiresa sobre un cuerpo escultural. Era descarada y agresiva a la vez que natural. Fue una de las primeras en mostrarse a pecho descubierto en las portadas masculinas.

Irving Claw

Empresario y rey de la fotografía sado. Las fotografías que hizo a Betty Page para Exotique instauraron el modelo de la “pin-up” sadomasoquista. El morbo era uno de sus recursos más efectistas. Con permiso de Bunny Yaeger fue el primero en situar en el primer plano de sus obras elementos fetichistas.

Bunny Yaeger

Ex modelo y, según la revista U.S. Camara en 1953 “la fotógrafa más bella del mundo”. Muy conocida por sus desnudos y fotos en bikini, no confiaba en trucos técnicos. Y sí exclusivamente en el área naturalista de sus modelos. Una de sus fotos podía aparecer en más de 350 periódicos, incluido su propio autorretrato como pin-up, desde luego.

Eric Stanton

Ilustrador de sus propias fantasías sexuales y de las del público, durante cinco décadas dibujó mujeres atractivas y potentes que dominaban a hombres débiles. Estaba especializado en pechos exuberantes y cinturas de “avispa” sobre piernas infinitas, sustentadas en tacones de “aguja”. Entre otros editores trabajó con Leonard Burtman.

Leonard Burtman

Científico y fotógrafo aficionado, a mediados de los años cuarenta sufrió los efectos de la radioactividad provocada por los experimentos realizados por el ejército norteamericano con bombas atómicas en el desierto de California. Al quedarse estéril renunció a los galones para dedicarse de lleno a la fotografía y al mundo editorial. En 1951 crea Exotique, revista que ha sobrevivido a todas las crisis de la prensa masulina.

El Pais Viernes 17 de Diciembre de 1999

Zoom out/ zoom in

2009-12-26T03:36:00.000-08:00

Anuncio ESCP Europa Video Stop-Motion

2009-12-25T15:26:00.000-08:00

Via Cartoon Brew este anuncio promocional para una escuela de negocios francesa. Muy buen trabajo y como comentan en Cartoon Brew el director del anuncio que se plantee dirigir más cosas.

Cubiertas de la revista Rolling Stone

2009-12-25T15:13:00.000-08:00

Gisele 849- 14 Septiembre 2000

The Sweetest Thing 894- 25 Abril 2002

Shakira 893- 11 Abril 2002

Jennifer Garner 889- 14 Febrero 2002

Jennifer Aniston 878- 27 Septiembre 2001

Kate Hudson 851- 12 Octubre 2000

Nicole Kidman 816/817- 8-22 Julio 1999

Mike Myers 814 - 10 Junio 1999

Jennifer Aniston 807- 4 Marzo 1999

Laetitia Casta 793- 20 Agosto 1998

Gillian Anderson 754- 20 Febrero 1997

Ramona Falls Video by Stefan Nadelman

2009-12-23T09:01:00.000-08:00

Ramona Falls "I Say Fever" from Barsuk Records on Vimeo.

Via: Cartoon Brew

Alma de Rodrigo Blaas

2009-12-21T16:08:00.000-08:00

Alma from Rodrigo Blaas on Vimeo.

Durante las vacaciones, Rodrigo Blaas hizo su corto Alma. Blaas es animador de Pixar. Junto con Alfonso Blaas , su hermano, como director artístico, terminó su corto en casa, en España. La página oficial http://almashortfilm.com/

Via: Cartoon Brew

Going West by Andersen M Studio

2009-11-23T14:18:00.001-08:00

Vitamina C photo

2009-11-23T13:41:00.000-08:00

Vitamina C photo

El mundo de la fotografía vive una nueva sensación desde las orillas del Támesis.

Elena Ochoa Foster, al frente de Ivory Press, empresa londinense con tripulación española (Oscar Mariné en el arte, Alejandro Castellote de comisario y Antonio Sanz como editor creativo) ha conseguido volcar en una revista-libro bianual, C Photo Magazine, lo mejor de la creación en el ancho mundo del objetivo. C, con dos números ya en el mercado, ha reunido lo más granado del panorama y nos lo sirve en un formato clásico, moderno e imperecedero. Un objeto destinado a abrir los apetitos de los coleccionistas y que permite, al mismo tiempo, viajar por la feria de las vanidades del mercado internacional. Noticias frescas para los que además de las capitales tradicionales de la fotografía (Nueva York, París) quieren ensanchar el periplo y llevarlo a nuevos epicentros como Shangai, Buenos Aires, Moscú o Madrid.

revista ClubCultura #11 Mayo-Junio 2006

Boogie el aceitoso

2009-11-09T14:24:00.000-08:00

Collage

2009-11-05T15:39:00.000-08:00

Pellet Gunn by Tim Beckhardt

2009-11-04T15:33:00.000-08:00

Pellet Gunn from Tim Beckhardt on Vimeo.

Angora Napkin

2009-10-26T16:36:00.001-07:00

Pork & Roll El País de las Tentaciones 28 de Junio de 1996

2009-10-25T16:25:00.000-07:00

Pork & Roll

Cerdos, marranos, gochos y puercos han convertido las tiendas de música en cochiqueras. Quieren seguir los pasos del famoso “Chu-lin”. La moda “disco-gorrina” subirá el precio del pata negra. ¡Porca miseria!

Al final los dibujos de la Warner cantaban eso de “Lástima que terminó el festival de hoy… ¡Porky, Porky, nuestro rey…”. Porky era el rey. Ahora los espectadores andan conmovidos por el film de Babe, el cerdito valiente, pero hace tiempo que la cerda Peggy penetró en el inconsciente colectivo gracias a Ábrete Sésamo. En la última ceremonia de los Oscars, ella, Peggy, toda celosa, la muy cerda, interrumpió a Whoopie Goldberg acompañada de Babe; se autoproclamó la reina cerda del mundo del espectáculo y comentó su protagonismo en el remake de Pocahontas. ¡Ay, porca miseria la del estrellato!

No se sabe muy bien por qué el rock ha recurrido a la figura del cerdo desde sus días más tiernos. Ejemplos hay muchos. Ahí quedan era par de canciones terroríficas del último disco de maese Trent Reznor (Nine Inch Nails), The downward spiral: “Los cerdos han ganado esta noche/ ahora pueden todos dormir profundamente”, dice en Marcha de los cerdos. “¡Eh, cerdo,/ sí, tú/ cerdo, cerdo, cerdito, cerdo, cerdo, cerdo/ todos mis temores se han hecho reales”, dice en Piggy.

En el disco Blanco de los Beatles, George Harrison cantó entre gruñidos porcinos se Piggies: “Por todos los sitios hay montones de cerditos/ viviendo sus vidas cerditas/ Puedes verlos salir a cenar…”. Lennon continuó la tradición al agarrar a un cerdo por las orejas en su álbum Imagine, en directa y corrosiva alusión a McCartney (que sujetaba a un carnero en la portada de Ram). La vida es una piara. Y el rock sólo tiene razón de ser cuando protesta, se rebela ante el sucio mundo y ahí encuentra adjetivos suficientes. O sustantivos: puerco, marrano, gocho, gorrino, cochino…

“En esta Tierra de cerdos / sólo se escuchan lamentos…” cacarea EL Fantástico Hombre Bala en el tema que titula su álbum. ¿Y qué canción eligieron Faith no More en Nativity in Black, disco homenaje a Black Sabbath?: War pigs. ¡Esssto, esto, esto es todo amigos!”.

Santiago Alcanda

Tori Amos. Boys for Pele. La pelirroja amamanta al cochinillo diabólico. “El cerdo es el lado feo que todos tenemos dentro”, asegura. Puro amor lácteo.

The Band. High on the hog. Un juego de palabras para insultar a los capitalistas: el título significa Como un rajá, pero hog también se traduce por puerco.

Pink Floyd. Animals. En diciembre de 1976 se armó la marimorena con la puesta en escena para tirar fotografías que sirvieran como portada al álbum de Pink Floyd. Todo salió más. Uno de los cerdos gigantes aerostáticos, que se lanzaron al aire para sobrevolar el monumento fabril Battersea Power Station, se soltó. Aviación Civil tuvo que emitir un SOS con la advertencia a todos los aviones que se aproximaban a Londres de que un cerdo gigantesco volaba suelto por el espacio aéreo. La última vez que se captó al cerdo volador fue a 18.000 pies por encima del área de Kent, pero nunca más se supo.

Pearl Jam. Animals. En 1994 el grupo de Eddie Vedder saca como sencillo de su álbum Vs. Su particular Animals. La imagen combinó a una gallina y a dos cerditos en el corral.

Soft Machine. Land of Cockayne. Karl Jenkins, hoy en Adiemus, se convirtió en los setenta en el cerebro de Soft Machine. Y en comunión con colaboradores como Jack Bruce, exbajista de Cream, grabó (1981) esta obra estrambótica e interesante en la que se dice: “En el Pais de Cockayne… los cerdos asados corretean por las calles con cuchillos y tenedores a sus espaldas diciendo “Cómeme, cómeme”, mientras monjas desnudas se bañan en ríos de leche… Para entrar en este país uno tiene que subirse en la barbilla de sucios cerdos durante siete años”.

Primus. Pork´s soda. Auténtico manifiesto rockero sobre el mundo cochinón contemporáneo. De la chuleta al refresco de cerdo. ¿Gustas?

Green Jellÿ. Three little pigs. Hicieron un video recreación monstruosa del cuento de los tres cerditos. Verlo para creerlo. Sin comentarios. El disco de editó después como banda sonora.

El Fantástico Hombre Bala. Tierra de cerdos. Versión nacional rockera a la rebeldía contra el planeta porcino. ¿Qué habrán hecho los pobres para merecer esto?

El País de las Tentaciones 28 de Junio de 1996

3 Dog Band

2009-10-25T15:43:00.000-07:00

Cartoon Network: 3 Dog Band from Easyfeel on Vimeo.

El arte de no pagar El País de las Tentaciones viernes 11 de febrero de 2000

2009-10-23T16:41:00.000-07:00

El arte de no pagar

El País de las Tentaciones viernes 11 de febrero de 2000

Es posible que el Servicio Secreto norteamericano, entidad gubernamental que vela por la seguridad del presidente y persigue los delitos de falsificación de moneda, secuestre un par de calzoncillos “Entraron en mi casa tres veces, a la fuerza. Se lo llevaron todo: mis dibujos, mis cuadernos, mis pinturas y hasta un par de inocentes calzoncillos con dólares dibujados encima y una pajarita con los mismos estampados. No tiene sentido”.

Eso ocurrió hace casi diez años. El artista norteamericano JSG Boggs, de 45 años, lucha desde entonces por recuperar sus cosas. Incluidos los calzones. Aunque no hay ninguna acusación legal contra el, según el Servicio Secreto esta “bajo investigación por posible delito por falsificación”: Boggs dibuja dólares y paga con ellos en lugar de con dinero real. Son explícitamente falsos: el lo advierte cuando intenta hacer una transacción. Además, a simple vista, se ve la diferencia: usa colores y palabras distintas a las de los billetes reales y los firma con su nombre. Su objetivo es observar hasta que punto la gente esta dispuesta a renunciar al dinero real por otro tipo de valor: arte. “Y para el Estado, eso es peligroso”, asegura. De ahí la patada en la puerta y el secuestro de sus obras, cada una valorada por los coleccionistas de arte en mas de ocho millones de pesetas.

Tentaciones entro con el en la sede del Servicio Secreto norteamericano, en Washington, donde estaba citado en diciembre pasado para recuperar lo que legalmente le pertenece. Muchos trabajos estaban allí, la pajarita también, pero no los calzoncillos. “Hace tiempo que algún listo se los quedo”, asegura Boggs. Y una vez más, fue un intento frustrado. Se negaron a devolverle sus pertenencias por “problemas de forma”. Nada de lo que ocurrió allí dentro pudo ser fotografiado ni grabado y ninguno de los agentes quiso opinar sobre la situación legal del artista. Bogss tiene una nueva cita en Washington esta primavera.

El valor de una idea

Será la numero 12 desde que comenzó su vía crucis por culpa de una idea: convertir el dinero en arte. Fue casual: en 1984 Boggs dibujo algo parecido a un dólar en una servilleta y una camarera decidió quedárselo en lugar del dinero real. Boggs pensó que aquello era muy significativo. “El valor del dinero es relativo. Si consigo que acepten arte en lugar de dinero, significa que hay esperanzas de que el funcionamiento del mundo cambie algún día”.

Sus dólares se han convertido en objetos de culto entre coleccionistas de arte. Su obra carece de valor sino esta “completa”: el coleccionista busca el billete, el recibo con el precio de lo que costaba el objeto que se pago con el billete y las vueltas. Es decir, si una cena que costaba 90 dólares se pago con un billete de Boggs de 100 dólares, el recibo y los 10 dólares reales de cambio también forman parte de la obra. Desde que Boggs comenzó a utilizar su propia moneda, ha realizado transacciones por valor de 300 millones de pesetas.

“Les debo a mis abogados la misma cantidad”, explica el artista. “Y dudo que acepten que les pague con mis billetes. Aun no se como voy a saldar mis deudas. Pienso llegar hasta el final, recuperar lo que es mío y mostrarle al publico como el gobierno maltrata a uno de sus ciudadanos. Pero tengo miedo de que destruyan mis cosas antes de poder mostrar quien tenia razón”

La ley y el valor del dinero

JSG Boggs empezó con sus transacciones ¿pagar el alquiler, cenas, ropa…? En el Reino Unido y Australia. Le llevaron a juicio por falsificación en ambos países. Gano. Pero en Estados Unidos sus obras le complicaron la vida. Al principio, el Servicio Secreto llego incluso a discutir con el la naturaleza de su obra y aseguro que todo era legal. Pero en 1990 cambiaron de idea: registraron su casa y se llevaron sus obras y objetos personales. Repitieron la operación en 1991 y 1992: total, más de mil trescientas cosas confiscadas. Boggs lo denuncio y ha llegado hasta el Tribunal Supremo, por violar su libertad de expresión. Siempre ha perdido. Y no consigue que su caso llegue a un tribunal con jurado público. Según el Servicio Secreto, eso le daría “publicidad gratuita”. Aun así, no existe acusación concreta contra el y Boggs sigue “pagando” con sus dolares cuando los aceptan. El MOMA de Nueva York, el Art Institute of Chicago y The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts le apoyan públicamente en su lucha.

Barbara Celis

Flintstones on the rocks (2001) -fragmento-

2009-10-23T14:24:00.000-07:00

Hokusai: An Animated Sketchbook

2009-09-26T14:19:00.000-07:00

TRON

2009-09-22T15:04:00.000-07:00

Tron
por freres-hueon

Muto by Blu

2009-09-19T16:22:00.000-07:00

Björk “Debut” 1983 Bapsi

2009-09-19T15:33:00.000-07:00

Björk “Debut” 1983 Bapsi

Uno de los campos más correosos y poliformes que hoy en día existen en la vasta escena musical es aquel dinámico punto de encuentro entre el pop y la electrónica, y una de sus más avanzadas representantes y alquimistas ha sido (y de momento sigue siendo) la diminuta ex cantante de los islandeses The Sugarcubes.

“Debut” puede considerarse como el pistoletazo de salida de una idiosincracia musical basada en el crossover estilístico entre lo contemporáneo y lo futuro, entre la inmediatez y la accesibilidad del pop y la profundidad de la electrónica: una formula que continuamente tiende a regenerarse y reinventarse y que a día de hoy no se nos asemeja extraña, pero que a principios de los noventa se presentaba como una verdadera revelación. Y fe de ello la da la gran cantidad de luminarias musicales que coincidieron en la cocción de esta obra magna: Nellee Hooper, Talvin Singh, Howie B…

Quizá éste sea el disco más equilibrado de todos los que ha facturado la islandesa y sin él no sería posible entender gran parte de la producción musical popular facturada durante la última década. Alimentada por una panoplia de estilos y de sonidos ajenos a su natural campo de procedencia (tablas, arpas, percusiones, etc.), Björk tuvo la osadía de presentarse en solitario como un agente musical ajeno a todo tipo de convencionalismos, con los consiguientes riesgos que (comercialmente) ello podía comportarle. Pero afortunadamente se salió con la suya, y consiguió establecer las bases del pop de fin de siglo gracias al trip hop pesado y deliciosamente oscuro de “Human behaviour” o “Violently happy”, las bellas composiciones de subyugante neoclasicismo que son “Venus as a boy” o “Like someone in love”, la electro-balada “Come to me”, el jazz naíf de “Areoplane”…Uno de esos discos que consigue atrapar el tiempo. Un clásico.

Fede Guerrero

rex the dog "Bubblicious"

2009-09-19T15:10:00.000-07:00

Bubblicious from Rex The Dog on Vimeo.

BJORK "WANDERLUST"

2009-09-18T11:04:00.000-07:00

BJORK "WANDERLUST"
por Bjork

Feel Like A Rocket Music video for VOICST

2009-09-12T01:18:00.001-07:00

VOICST Feel Like A Rocket (HD) from Fons Schiedon on Vimeo.

Music is Math by Glenn Marshall

2009-09-09T10:10:00.000-07:00

Music Is Math from Glenn Marshall on Vimeo.

Cat Shit One

2009-09-05T15:29:00.000-07:00

9

2009-09-04T17:12:00.000-07:00

Video Game - E3 2009 - Attack of the Show

archivo: laberinto

2009-09-01T15:52:00.001-07:00

Blog Day 2009

2009-08-31T08:01:00.000-07:00

Ahí van cinco blogs. Muy buenos. Imposible escribir largo y tendido, tengo enganchado del cuello a mi hijo de nueve meses que me quiere "ayudar" a escribir en el teclado.

http://blogs.publico.es/manel/

http://goldenagecomicbookstories.blogspot.com/search/label/Hal%20Foster

http://one1more2time3.wordpress.com/

http://kahnehteh.blogspot.com/

http://www.littlecartoons.com/index.html

Feliz dia del blog

1990-1999 La música de la década: Internacional Hip-hop/Electrónica

2008-11-26T08:52:00.001-08:00

“Hip-hop”/Electrónica internacional

Portishead. Dummy (Polydor, 1994).
Aunque este álbum tuvo mucho que ver con la instauración del trip-hop, el tiempo ha demostrado que también fue vital para artistas como Air, Pulp o Neneh Cherry; el reciclaje por la vía tecnológica de arreglos orquestales herederos de John Barry y otros creadores de soundtracks; las atmósferas propias de las baladas del soul y una voz, la de Beth Gibbons, que aportaba ríos de dramático Keeling a una música sintética que al final resultaba completamente humana. Texto: Rafa Cervera

Tricky. Maxinquaye (Island, 1995)
Tricky firma una de las piedras angulares del trip-hop y pasa a formar parte del triunvirato de Bristol junto a Massive Attack y Portishead. Pero Tricky va más allá y consigue un trabajo que desborda los límites estilísticos del género y recorre los márgenes de los sonidos esquizoides. Texto: Albert Salmerón

Massive Attack. Protection (Virgin, 1994)
El segundo álbum de Massive Attack se convierte en la obra que les arraiga definitivamente en el mapa del pop. Su conglomerado de estilos (soul, funk, dub, reggae y hip-hop) y su particular tamiz sonoro les convierte en padres de esa criatura llamada trip-hop. Texto: R. C.

Daft Punk. Homework (Virgin, 1996)
Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homen-Christo aplican a la música house el mayor baño de frescura de su historia: riffs infecciosos que acaban tarareados por medio mundo. Consagración de la disco-music filtrada y mitomanía pop envuelta en un halo de misterio. Texto: Félix Suárez

Air. Moon safari (Virgin, 1998)
Nicolas Godin y Jean-Benoit Dunkel firmaron la más brillante colección de canciones del final de la década. Air hizo de su primer álbum una pequeña sinfonía pop con pasajes ambientales, efectos vocoder, leves insinuaciones electro y explotaciones en la ciencia musical abstracta. Una maravilla. Texto: Luis Lles

Leftfield. Leftism (Sony, 1995)
Uno de los primeros acercamientos de la nueva música electrónica a las listas pop. Eclecticismo portando la bandera del dance. Entre lo descriptivo y lo bailable. Y sin olvidar la lista de voces invitadas: Toni Haliday y el vociferante Johnny Lydon). Leftism fue determinante. Texto: R. C.

Chemical Brothers. Dig your own hole (Virgin, 1997)
Golpea desde el inicio con la implacable cacofonía de Block Rockin´ Beats. El hip-hop se entrecruza con el hardcore tecno y las guitarras sangran. Este disco ayudó a abrir un boquete en los oidos de aquellos que pensaban que todo lo tecno era Depeche Mode. Texto: Fernando Martín

Basement Jaxx. Remedy (XL, 1999)
Con Remedy, Basement Jaxx tomó el pulso del asfalto londinense para reunir el revoltijo estilístico y multicultural en que vivimos: garage, disco, breakbeat, house, rthythm and blues, raggae, funk, samba… En definitiva, el baile con actitud. Texto: F. S.

Massive Attack . Blue lines (Virgin, 1991)
Atmósferas turbulentas y a la vez susurrantes construidas sobre el minimalismo. Massive Attack abandonándose a eso que se ha llamado cool en un disco que entremezcla todas las claves del trip-hop. Puré licuado entre vaharadas de soul urbano, hip-hop. raggae y funk.Texto: Luis Hidalgo

Public Enemy. Fear of a Black planet (Deaf Jam, 1990)
Póngase en una batidora todo aquello que produce ruido. Añádase un recitado cortante y unas palabras que surgen de las alcantarillas que pintan las películas norteamericanas. Eso es Public Enemy, el chirriar de una ciudad en la que solo sobrevive quien se hace escuchar. Texto: L. H.

1990-1999 La música de la década: internacional pop-rock

2008-11-26T03:50:00.000-08:00

1990-1999 Del vinilo al mp3: la selección tentaciones

La década del “Indie”, el tecno, el “grunge” y el “trip-hop” toca a su fin: es la hora de diseccionar su legado. Nuestros críticos han elegido los mejores discos de un tiempo marcado por la ruptura de fronteras estilísticas. La lista es todo un arma contra pesados nostálgicos de tiempos pasados porque demuestra que los noventa han sido ricos en artistas imaginativos y discos apasionantes.

Cualquier resumen es, por definición, injusto, insuficiente y caprichoso, y éste lo es aún más. En primer lugar, porque para elaborarlo sólo se ha convocado a los críticos de este suplemento que tienes en tus manos; en segundo, porque las categorías no abarcan la riqueza y variedad de las músicas que se han producido en estos años confusos, y además, porque la urgencia es la peor consejera de la memoria, incluso la más selectiva. No se trata, por tanto, de falta de rigor, sino de aceptar la imposibilidad de poner puertas al universo de la música, el fenómeno más popular de cuantos definen lo contemporáneo.
Pese a todos los condicionantes, contra cualquier censura, frente a los mecanismos de la industria cultural omnipotente, la música popular destila expresiones incontenibles de libertad que discurren desde la sociedad anónima de un chaval armado de guitarra en un lugar oscuro, hasta las capacidades incontrolables de la tecnología desbocada. Si esta última década de nuestra vida se despertó con el desgarro vociferante de Kurt Cobain, luego asistió a la transmutación de todos los géneros, incorporó los ritmos olvidados de cualquier hemisferio y desnudó la estrecha condición de los popes más satisfechos. Estos 10 años que hemos recorrido anuncian en su conclusión formas, instrumentos y presagios más imprevisibles que nunca.
La música es ritmo y transmisión, pero también negocio y abuso; libera y descubre caminos nuevos, pero sin duda puede también alienar y favorecer ignorancias culpables; la música escandaliza y agita, recuerda y acusa, es un termómetro que indica el estado de una sociedad que trata, por todos los medios, de domesticarla y limitarla. Y puede que ése sea uno de los pecados mayores de las listas y los resúmenes.
No es esa nuestra intención. Esta Selección Tentaciones pretende, sobre todo, destacar, valorar, llamar la atención sobre las obras más importantes de los 10 últimos años. Los discos, que han sido elegidos por votación entre todos los críticos musicales de la revista, reflejan de alguna forma el fenómeno esencial que define esta década: la difuminación de las barreras entre estilos. Veamos: Fangoria gana en pop español con un disco absolutamente influido por la música de baile, mientras Portishead y Mastretta triunfan en electrónica con álbumes llenos de instrumentos acústicos y ecos de viejas bandas sonoras; Morente y Lagarija Nick inventan el flamenco-metal-industrial en el mismo año que Beck conecta con el blues con el rap y el folk con los sonidos del espacio.
Estos y otros sonidos de todo el mundo se enfrentaron a la misma pregunta: ¿cómo crear algo nuevo en una música popular en la que todo parece inventado? Todos formularon sus respuestas de forma diferente, pero el contenido vino a ser el mismo: había que dinamitar los guetos sonoros e imaginar recetas originales partiendo de ingredientes ya conocidos. El tiempo juzgará si estos noventa, tan adictos al reciclaje, dijeron cosas realmente importantes en la música. Pero echando un vistazo a esta lista, uno siente que sí, que en la década de la mezcla no han faltado la imaginación, la excitación y el buen gusto.

Internacional Pop-rock

Beck. Odelay (Geffen, 1996)

Irrumpió en plan dinamitero con apenas veinte años con aquella incendiaria canción titulada La MTV me hace fumar crack. "Ha nacido un nuevo Dylan", dijeron entusiamados los cronistas de uno y otro lado del Atlántico tras escuchar su primer álbum, Mellow gold. Y Beck agrandó aún más su corta historia con Odelay, álbum de cantautor apegado a su tiempo tecnológicamente abierto, pero con una base fuerte de raíz rock norteamericano. Baile, electrónica, aspereza, hip-hop y country. Todo un invento de genio. La respuesta del público no pudo ser más positiva. Lo mejor de todo es que la carrera de este menudo chaval de California acaba de comenzar. Texto: Carlos Marcos

Börjk. Debut (Polidor, 1993)

Un productor hábil -Nelee Hooper- eleva la voz de Börjk a escalas superiores acompañándola por los más diversos híbridos musicales. Son canciones que aúnan los ritmos de baile con arreglos multicolores, asumiendo una serie de piruetas muy bien resueltas. Texto: Rafa Cervera

Nirvana. Nevermind (Geffen, 1991)

Con este disco quedó patente que el rock aún tenía vigencia en los años noventa. El amargo coctel de nihilismo, rabia, insuborfinación a la cara amable del sistema y pulsión netamente juvenil tuvo un resultado capaz de desplazar a vacas sagradas del número uno de todas las listas. Texto: Fernando Martín

Primal Scream. Screamadelica (Creation, 1991)

Con lo que genéricamente se puede considerar intención electrónica, Primal Scream construyó un disco de rock mutante y ambicioso en el que el cruce se hacía rey. Un aluvión de visiones hacen de este disco un puntal de los noventa. Texto: Luis Hidalgo

U2. Achtung baby (Island, 1991).

Fue un aviso de la banda abanderada, hasta entonces, del rock de guitarras y los mensajes apocalípticos de por donde iban a ir los tiros en la década que comenzaba. U2 transformó el gusto de buena parte de los rockeros: el rock podía ser compatible con la electrónica. Texto: Fernando Íñigüez

Radiohead. OK Computer (Emi, 1997)

¿Los nuevos U2? Mucho más que eso. Los británicos Radiohead realizaron un clásico del pop moderno. Siempre conmovedora la voz de Tom Yorke, el grupo enfrenta sonidos del momento sin abandonar lo clásico. Cada nueva escucha aumenta su belleza. Texto: C. M.

REM. Automatic for the people (Warner, 1992)

El paso necesario. Menos comercial y vendedor que el anterior, Out of time, pero más trascendental. Canciones con arreglos que se adelantaron a su tiempo. Y el resultado: la base fundamental para transformar a REM en la banda de rock más importante de la década. Texto C. M.

Pet Shop Boys. Behaviour (Emi, 1990)

Con flema británica, titularon Introspective a un disco vitalista y celebratorio de la explosión acid; pero la verdadera introspección llegó con su sucesor, Behaviour. Los amigos robados por el sida, los celos, las angustias y el abandono clavándose en joyas pop plenas de drama y emoción. Texto: Félix Suárez

Smashing Pumpkins. Mellon collie and the infinite sadness (Virgin, 1995)

Este doble álbum plasma el rock urbano de los noventa. Es decir, la síntesis de las corrientes hippy, metal, punk o grunge dignificadas en 28 composiciones que suenan originales e innovadoras en manos de musicazos. Texto: Santiago Alcanda

Jeff Buckley. Grace (Columbia, 1994)

Hijo de un padre famoso al que odiaba, Tim Buckley, Jeff realizó en un solo disco grabado en vida una obra maestra. Su voz recuerda a las serpenteantes cintas de las gimnastas de rítmica y los motivos melódicos al movimiento de un mar rizado. Preciosista, hondo y estremecedor. Texto: L.H.

Ciencia-ficción jurásica

2008-11-23T15:16:00.000-08:00

Pioneros de un género

Ciencia-ficción jurásica

Un español inventó la máquina del tiempo antes que H.G. Wells. Puede parecer increíble, pero es así. Internet permite ahora recuperar estas y otras historias fantásticas de hace un siglo.

Don Sidulfo García, zaragozano solterón, astilló una idea revolucionaria de se cráneo después que su sobrina y su criada rechazaran sus propuestas eróticas. ¡El anacronópete! ¡Una máquina del tiempo! La idea que desollaría la historia, que inventaría un mundo nuevo (con sobrinas y criadas sumisas, por supuesto). En 1887, el escritor madrileño Enrique Gaspar concibió la primera máquina del tiempo de la literatura de ciencia-ficción, ocho años antes de la mítica The time machine, del ingles H.G. Wells.

¿El anacronópete? Incluso es complicado de vocalizar. La novela andaba desaparecida, gravitando en la memoria de algunos lectores centenarios. Hace dos años la Asociación Española de Fantasía y Ciencia Ficción (AEFCF), escarbó en los rincones de bibliotecas privadas hasta que encontró la milagrosa máquina. En la exploración, tres clásicos españoles más esperaban ser desenterrados de los musgosos anaqueles: El último héroe (1913), El secreto de Lord Kitchener (1914) y El amor dentro de 200 años (1932).

Una idea peligrosa

Sindulfo había diseñado una nave cuadrúpeda –ensartada por cronómetros y barómetros- que se abastecía de electricidad. El ovni lucía cuatro cucharas gigantes atadas en los ángulos con el fin de arrancar la costra de gérmenes atmosféricos que, según el hidalgo, forman el tiempo. El mecanismo era sencillo: sobrevolar la Tierra en sentido contrario hasta llegar al pasado. “Es una obra que tiene la ingenuidad de cualquier novela de principios de siglo. Si hay que viajar en globo a Venus se viaja y no se plantea como se va respirar”, explica Javier Romero (32 años), portavoz de la AEFCF.

Ingenuidad que se conserva fresca. Las cuatro ficciones acaban de ser editadas en disquetes por la asociación después de una meticulosa labor: escanear los únicos libros que se conservan. “Son los textos que no se había vuelto a publicar desde su primera edición (aunque el Circulo de Lectores ha lanzado hace poco la obra de Gaspar) y lo que buscamos es que se conozcan”, agrega Romero. Las novelas estás libres de derechos de autor y la AEFCF las ofrece gratuitamente a quienes contacten con ellos a través de la Red.

La novela El anacronópete vendió en su momento 10.000 ejemplares, un best seller para la época. El culebrón de un vejete que invertía la herencia de su esposa (muda) en un artefacto exótico realmente destinado a seducir a su rolliza sobrina, entre otros fines, enganchó a los lectores.

Mentes calenturientas

El tono de las novelas es más visceral que científico. En El último héroe (1913), su autor, Roque de Santillana (agobiado por la inminente guerra), crea un Superman con poder para pulverizar Ejércitos, no con rayos X, sino con un pedazo de minicañon nuclear. En El secreto de Lord Kitchener (1914), de Domingo Cirici, la guerra es un hecho, pero tiene un sorpresivo invitado: España. El país recibe la unción por solicitud encarecida de una tal miss Pankurst, una especie de Thatcher primigenia.

“Pronto correréis como gallinas, ¡oh, cobardes germanos!, cuando pisen vuestros talones los bravos soldados de España, los descendientes de aquella raza invencible y generosa que fue asombro del mundo”. Los ingleses (azuzados por la aviación alemana), de repente se confesaban admiradores de los vecinos del sur al punto de publicarlo en sus periódicos.

“De la novela de Cirici se editaron unos doce mil ejemplares en España y cuarenta mil en Alemania”, asegura Agustín Jauregitzar (66 años), propietario de la rarísima biblioteca (5.000 libros de ciencia-ficción), donde dormían las curiosidades literarias ahora recuperadas. En aquel enjambre de alucinaciones y visiones científicas, la prehistoria española del género posee unos saurios considerables. “Un manuscrito español de 1541 tiene el mérito de ser el primero en hablar de un viaje a la Luna. Lo escribió un cura, Juan Maldonado. Desde esa fecha hasta comienzos del siglo XX existen unos cuarenta libros reseñables”, comenta Jaurengitzar mientras nos enseña su colección.

Y si hay que destacar rarezas, las utopías del militar anarquista Alfonso Martínez Rizo, sugieren un plus febril. En la novela 1945 el advenimiento del comunismo libertario, el puntilloso escritor advierte sobre la “caída de la burguesía” y por tanto del pudor. En El amor dentro de 200 años (1932) su visión erótico festiva del mundo alcanza el clímax. Amor y sexo fácil, instintivo salvaje, sin tantas antesalas chorras. ¡Vaya abuelito! Y luego dicen que en el pasado no cultivaban sanos pensamientos. Texto: Juanjo Robledo Ilustración: Javier Olivares

El País, Viernes 16 de Marzo de 2001

la leyenda del rock´n´roll: I´m a poor lonesome beach boy

2008-11-20T22:22:00.000-08:00

Metal Hurlant número 38

Textos: François Gorin Dibujos: Serge Clerc

La leyenda del rock´n´roll: ¡Una noche en el Mocambo!

2008-11-20T08:36:00.001-08:00

Revista Metal Hurlant número 36

Textos: François Gorin & Serge Clerc Dibujos: Serge Clerc

El “brit-pop” se trasviste

2008-11-20T04:01:00.000-08:00

El “brit-pop” se trasviste

Podrán tener muchos defectos, pero las figuras del pop británico siempre han poseído una virtud de la que nunca han andado sobradas la mayoría de las estrellas del resto del mundo: el sentido del humor. Gracias a este don, cuatro grupos punteros del brit-pop se dejaron el sentido del ridículo en sus casas y accedieron gustosos a disfrazarse de sus ídolos, a petición del semanario musical británico NME.

Blur eligió homenajear la portada de un disco glorioso, el Paraller lines de Blondie. Capitaneada por Debbie Harry, inventora de una nueva imagen para el pop (la del putón intelectual), la banda neoyorquina puso sexo a la new wave norteamericana a finales de los setenta.

Damon Albarn no se pudo resistir a emular a Debbie, pero acabó revelando que como drag queen vale más bien poco.

Su novia, la cantante de Elastica, Justine Frischman, también le dio al transformismo (¿existe alguna pareja con los papeles más cambiados que esta?), y se disfrazó de Richard Gere en Pretty woman, tal y como aparecía en la portada de la banda sonora. El papel de cenicienta de la prostitución, interpretado en el cine por Julia Roberts, correspondió al batería del grupo, Justin Welch.

La transfiguración de Jarvis Cocker fue más previsible. El líder de Pulp comparte características esenciales con su alter ego fotográfico, Elvis Costello. Ambos han escrito ácidas letras que retratan la casi siempre mísera vida del vulgo británico. Ambos han convertido sus enormes gafotas en su más identificable seña de identidad. Eso sí, hay que alabar el buen gusto de Cocker al elegir uno de los mejores álbumes de Costello y de la década de los setenta, This year´s model.

Por último, el cantante de Suede, Brett Anderson, se convirtió por un día en Sid Vicious, bajista de Sex Pistols y santo mártir del punk. La imagen corresponde a una escena de la película El gran timo del rock and roll en la que Sid dispara al público de un teatro tras interpretar My way. Anderson ha reconocido siempre a los Pistols como una de sus grandes influencias, e incluso llegó a afirmar que su elepé Never mind the bollocks era “el mejor álbum del mundo”. Texto: M.L.I.

El Pais jueves 27/viernes 28 de marzo de 1997

Galería de impostores

2008-11-19T09:39:00.000-08:00

Galería de impostores

MiquiSSIEL. “Creo que en la música pop española, aparte del Black is Black, lo más importante que pasó es esto, lo de Eurovisión”. Así de tajante se muestra Miqui Puig, líder de Los Sencillos y hombre carismático donde los haya, a la hora de justificar su elección de personaje para estas páginas. Y añade con una sonrisa: “Además, lo de travestirse era lo máximo”. No le preocupa en absoluto lo que la gente pueda decir al verle de esta guisa, con larga melena, boquita pintada y enseñando cachaza. “Me apetecía vestirme de mujer. No me dan ni pizca de miedo las interpretaciones de los demás sobre mi sexualidad. Como lo tengo tan claro… Cada cual es libre de ponerse lo que quiera sin que eso tenga que llevar a catalogarle de una forma u otra. Yo no voy por la calle vestido de Massiel, pero para una ocasión como ésta, divertida, me apetecía lo de hacer de mujer”.

Eso era lo más interesante de la propuesta para Miqui: su parte lúdica. No quedó defraudado. La sesión de fotos fue tan divertida como uno se puede imaginar viendo el resultado. “El fotógrafo me ayudó mucho. Estuvimos haciendo poses de top model. Lo que me dejó más sorprendido fue la confección del vestido porque lo hicieron allí mismo, clavado del original, pero de mi talla claro”.

Aunque él no puede acordarse de cómo fue el triunfo de Massiel (ella ganó en 1969), cuando Miqui sólo tenía un año de vida), no tuvo que volver a ver la actuación de la cantante para repetir tan fielmente sus inconfundibles gestos. “Massiel cantando el La,la,la es una de esas imágenes que todo el mundo tiene grabadas en blanco y negro en la memoria , como la de Arias Navarro dando la noticia de la muerte de Franco o las del Hombre y la Tierra. Texto: Marta Nieto

KISSller Barbies. Hace dos años, cuatro Barbies disfrazadas y maquilladas como los integrantes del grupo Kiss aparecieron en la carátula del primer disco de la entonces desconocida banda Killer Barbies, en referencia al primer álbum que parafrasea el Dressed to kill de Kiss. Así que no resulta nada rara. Que, siendo cuatro, los vigueses decidieran impostar al mítico grupo neoyorquino.

“No dudamos en elegir a Kiss. Es el grupo que sigue teniendo la imagen más fantástica y macabra del rock”. Para la sesión de fotos, se fueron de tiendas en busca del vestuario. “Cuando pedíamos las plataformas más altas pensaban que éramos bakalaeros”. Pero no los estrafalarios atuendos ni los vómitos de sangre de Gene Simmons son lo que reivindican de Kiss. “Lo que nos gusta son las canciones”, continúa Billy. “Fue de los primeros grupos que escuché en mi vida. Y todavía conservo sus discos, en vinilo, por supuesto. De todos, Alive, es mi favorito”. Sin embargo, Billy reconoce que, musicalmente, no hay ninguna relación entre ellos”. “Podemos parecernos en muchas otras cosas. Creo que lo más importante es que Kiss no trataba de hacer literatura, sus canciones eran sencillas, muy teenager. Y nuestras letras van por esa línea: nada trascendentales, porque no se trata de aleccionar”. Texto: Claudia Larraguibel

Javy Kravitz. Javier Álvarez es, oficialmente, un cantautor. Por eso, lo lógico hubiera sido disfrazarse de Serrat o de Silvio Rodríguez. Pero Álvarez no es de los que se dejan enjaular en clichés, y por eso se eligió a un músico mulato y psicodélico con pinta de haber salido del túnel del tiempo: Lenny Kravitz. “Pensé en James Taylor, Carly Simon o Tanita Tikaram. Pero la portada del Mama said era que menos se podía esperar de mi, lo más desparramo que se me ocurrió”. Javier se declara fan absoluto del norteamericano, y en concreto del disco cuya carpeta ha querido rendir homenaje: “Mama said es un disco que me vuelve loco. Kravitz es un excelente autor de canciones y un grandísimo músico, productor y arreglista”.

Muchos acusan a Kravitz de se un mero plagiario de héroes de los sesenta como Jimi Hendrix y John Lennon. Álvarez le defiende: “No es para nada un imitador. Su música bebe de diferentes fuentes, pero tiene un tono absolutamente especial y único”. ¿Existe algún parecido ente dos personajes tan alejados en apariencia como Álvarez y Kravitz? “Aunque nunca he leído una entrevista suya, creo que es bastante melómano. En mi música también se nota que he escuchado bastantes cosas distintas”. Texto: Mikel López Iturriaga

The SINIESTROS. “Los Beatles eran unos auténticos cretinos”, asegura el cantante de Siniestro Total, Julián Hernández. “El otro día vi un reportaje sobre el grupo y me parecieron patéticos. Nosotros no somos ni de ellos ni de los Rolling, somos de los Kinks”. Entonces, ¿Por qué se prestaron a posar de Álbum blanco de los Beatles? “Al fin y al cabo es su mejor disco. También lo escogimos porque todo el mundo imita la portada de Sgt. Pepper`s o la de Abbey Road, y ninguno se ha atrevido todavía con este”. Los miembros de Siniestro Total, que el próximo 7 de abril publicaran un disco en directo con versiones de clásicos del pop español, quizá tenían en el subconsciente algunas historias negras que se cuentan de este álbum. Como que Charles Manson se llenaba de adrenalina escuchando la canción Helter Skelter, o como que durante la grabacion de este disco se fracturo la estabilidad del grupo. Paul, Ringo y George estaban hartos de ver a la compañera de Lennon en el estudio. Ya lo dijeron unos amigos de Siniestro, Def Con Dos:”La culpa de todo la tiene Yoko Ono”. Texto: Carlos Marcos

El Pais jueves 27/viernes 28 de marzo de 1997

McNamara y McNamara

2008-11-16T14:00:00.000-08:00

McNamara y McNamara

A Teoría del superhéroe y el supervillano.

Les propongo un juego. Piensen en las diferencias y en las similitudes existentes entre una película de de Garci y una de Almodóvar. ¿Les ayudo? Las de Almodóvar suelen contener colores vivos, algún transexual en su repertoria de personajes, un tema musical – por lo menos- de alguna diva del drama cantado – sea Chavela Vargas, Mina o La Lupe- y una risa (o varias) antes de que aparezcan los créditos finales. Las de Garci suelen contener las mismas gamas cromáticas que un pub de provincias frecuentado por separados de mediana edad – cuando no son, directamente, en rudo blanco y negro-, algún paisaje bonito –frecuentemente asturiano-, unos diálogos que parecen esculpidos en mármol y, como mínimo, una referencia cinéfila explícita antes de que aparezcan los créditos finales. Vayamos con los parecidos: tanto en las películas de Garci como las de Almodóvar hablan de amor, hacen llorar, huelen a Oscar y acostumbran a contener alguna monja (o casi) en su repertorio de personajes. Conclusión: el cine de Almodóvar quizá se está empezando a parecer demasiado al cine de Garci. O, para enunciarlo en positivo, está cogiendo solera, cuerpo… Quizá madera de clásico. El juego podría prolongarse estableciendo parentescos espirituales en una colección de programas dobles mixtos, proyectados en nuestro cineclub mental: Entre tinieblas más Canción de cuna, La flor de mi secreto más Solos en la madrugada, Todo sobre mi madre más You´re the one…

La situación afecta a quienes, como su mostrenco servidor, han crecido en una concepción maniquea de la vida basada en la dialéctica de contrarios. Según esta visión del mundo, Almodóvar y Garci habían encarnado, respectivamente, a la modernidad y a la tradición. O, lo que es lo mismo, al superhéroe y al supervillano. Al hombre indestructible y al señor cristal. Finalmente, no hay más remedio que darles la razón a Frank Miller, Alan Moore y Grant Morrison: superhéroe y supervillano son las dos caras de una misma moneda. El supervillano es el reverso oscuro del superhéroe. Y viceversa. O, como dice M. Night Shymalan, el superhéroe es el sueño del supervillano: su creación, la obra de su vida.

B Teoría del homónimo maléfico.

Hay un mismo nombre que, en estas últimas semanas, ha cobrado dos acepciones antiéticas a los ojos de este mostrenco articulista: McNamara.

Vayamos por partes: Rockstation, de McNamara –el Robin de ese Batman de la movida mentado en el apartado anterior- es el disco electrizante y juvenil que nadie esperaba a estas alturas de la película. No sé qué habrá estado haciendo McNamara durante los años que median entre el soberbio ¡Cómo estás el servicio… de señoras! Y esta flamante joya del cyberchascarrillo petardo cargado de himnos instantáneos para una vida mutante. Años de silencio. De criogenia doméstica. Años que nos lo han devuelto, en suma, tan joven (de espíritu) como cuando le perdimos de vista. Retengamos un fragmento de esta obra capital: “Eres un Black zafiro/ Eres un puerco espín/ Eres un Ziggy Stardust/ Eres un telefilm”. La formula secreta de la alegría metafísica debe estar contenida en versos como estos. Pasemos a la segunda acepción de McNamara, el nombre: David McNamara, también conocido como The Anty-Porn Guy, responsable de una inquietante página web (http://www. Internettrash.com/users/dcmcnamara), a través de la cual este muchacho americano con evidentes problemas de sobrepeso, acné y autoestima pretende articular un movimiento político orientado a abogar por la penalización de la práctica y el consumo de la pornografía. Más estremecedor que las páginas con fotos del joven McNamara resulta su listado de links, que permite acceder a webs de agrupaciones católicas antigay que contienen perlas como la siguiente: “ Según un estudio, el marica medio ha practicado felaciones a entre 20 y 206 hombres, ha tragado 50 descargas seminales, ha tenido 72 penetraciones anales y ha ingerido heces de 23 hombres diferentes CADA AÑO”. La formula secreta del mal rollo metafísico debe estar contenida en estadísticas como esta. El joven David McNamara es tan inquietantemente viejo como estimulantemente joven es el veterano Favio MacNamara. Conclusión: busquemos todos a nuestro homónimo maléfico. Será nuestro retrato de Dorian Grey.

Texto: Jordi Costa Ilustración: Darío Adanti

Perversiones a todo color

2008-09-28T08:18:00.000-07:00

Perversiones a todo color

El Congreso de Estados Unidos quiere promulgar una ley que declare ilegales los globos de látex. O sea, los globitos de colores de toda la vida, responsables, al parecer, de un elevado índice de mortandad infantil al ser ingeridos en fase de reposo. La noticia, en principio, no parece tener más importancia que la de ser una muestra más de esa tendencia imperial – y, a larga, universal- de detectar potenciales e inéditas formas de peligro en lo cotidiano. Pero la futura ley es algo más: una estocada de muerte a una de las más inocuas, singulares y complejas subculturas sexuales de nuestro tiempo, la de los fetichistas de globos, también conocidos como looners, ballonists, o ballonatics.

Los ballonatics ocupan uno de los capítulos del extraordinario libro Deviant desires. Incredibly strange sex, de Katherine Gates (Juno Books). Empeñada en censar todas aquellas subculturas sexuales de nuevo cuño que han vivido su expansión gracias a Internet, la autora demuestra que quizá no haya en el mundo objeto que no sea potencialmente erotizable. O, dicho de otro modo, lo trivial para la mayoría puede ser orgásmico para una selecta minoría.

La textura y el olor de los globos son los primeros estímulos sexuales que atizan los ballonatics para calentar motores: son dos sensaciones que les retrotraen a una infancia arcádica en la que los estímulos básicos eran más intensos y la idea de culpa todavía no había hecho su aparición. Esencialmente, los ballonatics necesitan (o prefieren) la compañía de un globo para alcanzar el orgasmo. Más allá de esta premisa, los ballonatics pueden resultar tan distintos entre sí como los heteros o los gays. Existen, no obstante, dos subgrupos diferenciados: los poppers y los non poppers. Eston últimos consideran al globo casi como un sustituto del compañero sentimental;: tras frotarse contra él o penetrarlo de alguna inventiva forma, proceden a desinflarlo, con mimo y cariño, hasta su próxima sesión de desahogo sexual. Para los poppers – o sea, los que alcanzan el éxtasis al hacer estallar los globos-, los non poppers son un subgrupo inmaduro al que suelen convertir en objeto de chanzas y burlas.

Para algunos ballonatics, el globo hinchado es una reminiscencia del seno materno. Para otros, puede ser un pene hiperbólico y flexible: no obstante, el globo nunca es utilizado como sustituto del consolador, porque su estallido en el recto o en la vagina podría ser peligroso. Algunas parejas de ballonatics disfrutan haciendo el amor colocando globos hinchados entre sus cuerpos. Pero, por lo general, a esta subespecie de fetichistas les resulta difícil encontrar pareja que comparta su singular afición. Y ahí surgen los problemas morales que suelen discutir en sus chats: ¿pueden considerarse infidelidad jugar con globos con alguien que no sea tu pareja, aunque no haya penetración, ni sexo explícito en el encuentro?, ¿puede considerarse acoso sexual pedirle a una dependiente que hinche un globo delante de ti, aunque ella ignore el componente erótico de la propuesta?

Lo que podríamos llamar el globismo es un fetichismo reciente: los globos de látex se inventaron en los años veinte y no se popularizaron hasta los años cincuenta. Por eso, la mayoría de los ballonatics son veinteañeros o treintañeros: el globismo, como subraya Gates, es una modalidad sexual propia de babyboomes y miembros de la Generación X. ¿Se sienten ustedes con ánimo de inaugurar la perversión sexual capaz de definir a la generación del “España va Bien”?

Texto: Jordi Acosta Ilustración: Darío Adanti

El Pais de las Tentaciones Viernes 10 de Noviembre de 2000

Invitación al baile. Hojas volanderas

2008-09-03T14:40:00.000-07:00

1 y 2. Leo Elstob. Reino Unido, 1994

4. Emelle Creative. Birmingham, 1995

5. Tom Hingston y Paul Allen. Londres, 1996

6 y 7. Swifty typografix. Londres, 1993 y 1992

8. Juan Gatti. Madrid, 1993

9. Designer´s Republic. Reino Unido, 1995

10. Leo Elstob. Reino Unido, 1995

11. Kjeld Van Schreven. Londres, 1995

12. Craig Richards. Londres, 1995

13. Mathew Kaye. Reino Unido, 1995

14. Pierre et Gilles para su 20º aniversario. Paris, 1996

15. Autor desconocido. Londres, 1995

16. Craig Richards. Londres, 1995

17. Craig Richards. Londres, 1994

18 y 19. Tom McCallion. Londres, 1994

20 Tom Hingston y Paul Allen. Londres, 1996

21. Ipsum Planet. Madrid, 1997

22. Stéphane Carpinelli. Barcelona, 1994

23. Dave Little. Londres, 1993

24. Autor desconocido. Barcelona, 1997

25. Stéphane Carpinelli. Barcelona, 1995
26 Chris Ashworth. Nottingham, 1993
28. Swifty typografix. Londres, 1993
29. Craig Richard. Londres, 1996

Invitación al baile

Vuelan de mano en mano y llenan los bolsillos de los pantalones nocturnos para aterrizar en la puerta de locales de música tecno o ambiente gay. Una invitación de tamaño incierto que sirve de entrada a una fiesta concreta un día determinado en un local. Así describe Javier Abió, de Ipsum Planet, un flyer: suele ser una imagen de marca de clubes tecno que se recoge en tiendas de ropa o música especializada. La octavilla se divide en dos: la cara del flyer son imágenes limpias, figuras asépticas y estética de ordenador.Colores miles, cuerpos Danone y barroco-kitsh para los gays. La cruz es más reflexiva: una pastilla de texto con la biografía de Dj o artista invitado, una descripción de la fiesta o un mensaje sugerente. Precio básico, unas 100.000 del ala por 6.000 copias. Si se usa la misma plancha de impresión para varios flyers, 20.000 pesetas.
Un ordenador mackintosh, música, libertad de creación y una paja mental que no debe durar más de 24 horas. Estos son los útiles necesarios para crear un flyer, según Javier, el diseñador. A veces, la inspiración la produce la música del artista de la octavilla. Otras no es tan fácil. Javier recuerda la noche que pasó mirando una botella llena de bolas de cera flotantes. Delante del monitor, la deformó, la proyectó en el espacio y le añadió brazos imposibles. El ordenador procesó cálculos numéricos durante horas para definir la imagen. Sucede cuando se quiere el efecto tridimensional. Aunque moneda común es el pirateo o copia de imágenes o la búsqueda de fotos antiguas. “La propiedad no existe, la autoría está muerta. No cites. Roba”, dice el artista David Knopov. El club gay de Madrid Shangay Express suele usar imágenes de los fotógrafos Pierre et Gilles o de diseñadores de flyers gays consagrados.
Carlos de Vega.

Hojas volanderas
El auge de los “flyers”, antes llamados pasquines u octavillas –pero este último término tiene connotaciones ideológicas, mientras el “foyer” suele referirse al entretenimiento y el espectáculo-, es una consecuencia menor de la atomización, subdivisión y especialización general de los actos y las cosas, preparadas para el consumo inmediato, y simultáneamente, el carácter aceleradamente efímero que tienen nuestro actos y nuestras cosas.
El auge del “foyer” también es consecuencia de la anglosajona “cultura de clubes” que cambian de programación según los días, y a veces varias veces al día, y de las herramientas informáticas que reducen y abaratan el proceso de la impresión, haciendo innecesaria la intervención industrial, los fotolitos y los procesos de impresión complicados. El “foyer” va desde el ordenador del diseñador a las manos del cliente. El barbarismo, que literalmente significa “voladores”, “hojas volanderas”, tiene, pues, perfecto sentido.
A despecho de ese carácter efímero, los “flyers” ya empiezan a tener su pequeña historia, aunque, si existiera un concienzudo historiador de su acelerada e imaginativa evolución estética, probablemente se frustraría de impotencia. En la calle Notariat de Barcelona, la pasada primavera se dio la primera exposición de “flyers”. Muchos profesionales del diseño coleccionan estos cromos, que constituyen el primer encargo profesional de los estudiantes de artes gráficas apenas salen de las escuelas, reemplazando a los primeros trabajos de hace unos años, que solían ser tarjetas de presentación o papel de cartas.
Ignacio Vidal-Folch

Fly, the art of the club flyer está publicado por Watson-guptill. Nueva York, 1997

El País, viernes 5 de septiembre de 1997

Desiertos de silencios

2008-09-02T21:17:00.000-07:00

Desiertos de silencios

Son los extremos los que más conmueven. La selva, el desierto; mundos fuera del mundo. Experiencias únicas: poder sentarse de día sobre el calor de una duna y otear un horizonte que hierve y se desmenuza en una ensoñación. O durante la noche, cuando millones de estrellas se aparecen en un único plano, casi al alcance de la mano. Hay desiertos de piedra, de arbustos, de flores rojas, de arena dorada o blanca. Todos ellos unidos por el cordón umbilical del silencio y la soledad; valores que nos están vedados. Kaliami. Mojave, Simpson… A veces el desierto avanza y mata; rodea a los mitos y los estrangula en un combate mudo de siglos. Le sucedió a la hermosa Tumbuctú, a las caravanas de la seda, a las especias o las de los negreros de la esclavitud. Desiertos como el Sahara que son mares-océanos capaces de separar el África verde del Mediterráneo azul. Civilizaciones que navegan en dirección opuesta, ignorándose. Desiertos que moldean otras formas de cultura: la de la escasez y el esfuerzo. O de religión. Siempre existe un duelo: arena frente a asfalto; naturaleza frente a progreso. El desierto, un espacio único para la escapada: ascetas modernos con maleta sobre ruedas y aventureros de pantalón corto que huyen de sí mismos en pos de lo desconocido. Pero es su dureza la que selecciona a los intrusos y le protege de la invasión contaminante. El desierto nunca sobrevive en los recuerdos materiales o en el cuadrado de una fotografía. A veces hay olores, sabores y colores que no admiten una fotocopia, pues crecen en libertad. El desierto, como la floresta, siempre se desborda ante la mirada del que ve y escucha.
Ramón Lobo

Mali. Una caravana de camellos cruza el desierto pasando al lado de un grupo de tiendas.

James P. Blair.

Australia. Una especie de malvas, ahora secas, en el desierto de Simpson.

Medford Taiylor

Arabia Saudí. Un hombre camina por una gran duna

Thomas J. Abercrombie

California. Imagen de un campo de flores salvajes en el desierto de Mojave

Gerd Ludwig

Arizona. Lluvia de estrellas sobre el paisaje desértico. Se distingue la contaminación lumínica de la ciudad de Phoenix, a más de doscientos kilómetros.

Bruce Dale

Nuevo México. Dunas del Monumento Nacional de la Arenas Blancas

Michael Nicholson

Viernes 22 de julio de 1999

Mucho crédito

2008-09-01T10:14:00.000-07:00

Mucho crédito

1.“Vértigo. De entre los muertos (1958) Tres años antes, con sus títulos para El hombre del brazo de oro, de Otto Preminger, Saul Bass había sentado las bases de su estilo. Capturando en pocos segundos, todo el espíritu del filme, Bass hacía auténticas películas en miniatura. En este caso, créditos y película estuvieron a pareja altura: un ojo malsanamente próximo a la cámara, del que emergía una hipnótica espiral, sintetizaba a la perfección el propósito central del cine de Hitchcock: acercarse a esos torbellinos que sacuden el alma. Otros logros d Bass: la condensación animada de una superproducción como La vuelta al mundo en 80 días en sus créditos finales, la hiperbolización del tiempo al comienzo de Nueve horas de terror, etcétera.

2.“007 contra el Dr. No”(1962) El director Jesús Franco dijo que había mas cine en estos títulos de crédito que en toda la filmografía de Bergman. Se trataba, sin duda, de una boutade, que funcionaba como generoso toque de atención para que el publico de fijara en el genio de Maurice Binder, mago del Letraset y discípulo de Bass que creo la imagen de la serie de James Bond. A través del cañón de un revolver, el publico contemplaba la silueta blanquinegra de un agente 007 que, al sentirse observado, disparaba a cámara. Un juego de circunferencias daban paso a los titulos, hasta que un giro brusco en la banda sonora propiciaba un estallido de siluetas psicodelicas. Otro genio, Robert Brownjohn, aporto a la serie los créditos de Desde Rusia con amor y Goldfinger.

3.“La pantera rosa” (1963) Firmados por David DePatie y Friz Freleng -este ultimo, uno de los nombres de oro de los dibujos animados Warner-, los títulos de esta quintaesencia comedia sofisticada de Blake Edwards no solo marcaron una época –abriendo la puerta a un largo numero de refinadísimos créditos sixties debidos a gente como Richard Williams (Casino Royale, ¿Qué tal, Pussycat?) o Pablo Ferro (¡Que vienen los rusos!)-, sino que lanzaron al mundo a uno de los personajes del cine de animación: esa pantera chic, ambigua y de armónicos andares y movimientos, que se las hacia pasar canutas a un emulo animado de Peter Sellers y que no tardaría en tener serie de dibujos animados propia. Un hermoso ejemplo de emancipación del género.

4.“La vida de Brian” (1979). Antes de convertirse en director de fantasías –su última pesadilla, 12 monos, se estrena el día 22-, Terry Gilliam se lo había pasado pipa como único miembro americano del grupo Monty Phyton. Con formación de animador, acuñó una modalidad que le permitía expoliar cuadros de Broncino y mutilar fotos de apolillados prohombres para confeccionar las cortinillas del programa televisivo Monty Phyton´s Flying Circus. Cuando el grupo asaltó la gran pantalla, Gilliam se convirtió en diseñador de títulos de credito: sustrayendo toneladas de imaginería religiosa a viejos misales , elaboró un frondoso encadenado de gags físicos, una catedral de causas y efectos catastróficos que le situó a medio camino entre Luis Buñuel y Tex Avery.
5.“Mujeres al borde de un ataque de nervios” (1988). El cine de Almodóvar se ha caracterizado por llevar la firma de su autor estampada en todos y cada uno de sus fotogramas, empezando por los propios título de crédito, siempre consagrados a resumir en imágenes, colores y conceptos la exuberancia del pop de su peculiar visión del mundo. Con obvios sombrearazos al Saul Bass más mundano y a la estética Vogue, Juan Gatti diseñó los títulos para esta auténtica celebración del almodovarismo en su manifestación más equilibrada y sintética. Cegadoras zonas cromáticas, imágenes de lo femenino y objetos elocuentes desfilaban con la suavidad con que las páginas del Hola acarician la retina de una señora resignada a someterse al más severo crepado.

6.“La tropa de Beverly Hills” (1989). John Kricfalusi, el animador que, años más tarde, crearía a Ren y a Stimpy –la pareja de chihuahua asmático y gato bobalicón preferida de los niños-, aportó unas dosis de nitroglicerina a este vehículo al servicio de la reina de la comedia Shelly Long. Una comedia protagonizada por una tropa de girl-scouts no parecía la plataforma más adecuada para que este alumno de Bob Clampett y admirador de Kirk Douglas desplegara su arte, pero la dialéctica entre sus grotescos dibujos animados y el acaramelado tono de la comedia funcionó. No es el único animador de vanguardia que se ha atrevido con créditos: Sally Cruikshank (Por favor, maten a mi mujer, Maniquí) y Will Vinton (Divine Madness, Escápate como puedas).

7.“Delicatessen” (1991). El título cae sobre los ojos del espectador como un hachazo y, antes de que se haya repuesto del susto, un áureo cerdo se columpia sobre él. Con inmoderado virtuosismo, la cámara de Jeunet y Caro no tarda ni un segundo en iniciar un deslumbrante plano secuencial, un vicioso recorrido –musicado por un lánguido acordeón- a través de una jungla de objetos encontrados, pequeñas ruinas cotidianas, restos de un naufragio que algún día debieron ser instrumentos de trabajo para los miembros del rodaje: una vieja cámara fotográfica cubierta de polvo, un mellado disco de 45 rpm, cintas métricas… Todo ello rodeado de un insano aire de decadencia que sugiere la posible presencia cercana de putrefactos restos humanos.

8.“Fiebre salvaje” (1991). Saul Bass había concebido el arte de los títulos de crédito para sintonizar el ánimo del espectador con el tono de la película que estaba a punto de ver. En Fiebre salvaje, Spike Lee decidió utilizar una sintonía visual justamente para lo contrario: ofrecer una visión coreográfica, colorista y glamourizada del entorno urbano que, según iba a demostrar el resto del filme, tenía muy poco que ver con la realidad. Señales de tráfico, semáforos y otras muestras de mobiliario urbano se mueven con una elegancia parangonable a la de las naves danzantes de 2001, todo un contraste para la crispación que está a la vuelta de la esquina. Los responsables de esta secuencia también aportarían su buena mano al Prêt-à-porter de Robert Altman.

9.“Acción mutante” (1993) Con este filme llegó por fin la hora de los mamporros para el cine español: la confirmación de que era posible un cien distinto- avasallador, violento, inteligente y ultragamberro-, sin nada que envidiar a los mejores action pics de más allá de nuestras fronteras. Sobre un fondo ígneo, los terroristas mutantes de esta ópera espacial aizkolari entonaban el vehemente rap de Def Con Dos al tiempo que esbozaban una perversión de las coreografías del ballet Zoom, con golpes craneales a cámara incluidos. Hasta el espectador más desconfiado se veía obligado a reconocer que la letal combinación de versos como Haz como Johnny y coge el fusil con el ímpetu visual de Alex de la Iglesia le hacían sentir como en casa.

10“Resevoir dogs” (1993). Quentin Tarantino se presentó a la concurrencia con unos créditos que han alcanzado un grado de vana inmortalidad que hubiera fascinado al mismísimo Andy Warhol: ser copiados por un anuncio de El Corte Inglés. La formula era sencilla: un tema rescatado de las catacumbas del gusto- Little green bag, de George Baker Selection- acompañando el ralentizado paseo del grupo de atracadores guapeados (camisa blanca, traje negro, escueta corbata negra, gafas de sol…), mientras los títulos de crédito ascendían desde el más inesperado lugar del encuadre. En Pulp Fiction, el director optó por combinar tipografía e instrumental surf, con una sonada salida de tono: un ruidoso cambio de tema musical en pleno clímax sonoro.

11.“Antártida” (1995). Una chispa como la que, en los créditos de la serie televisiva Misión imposible, daba paso a la enloquecedora sintonía de Lalo Schiffrin intenta convertirse en la llama que David Lynch convirtió en leit motiv visual de Corazón salvaje en este conceptual, elegante y controladísimo trabajo debido al arte de Mariona Omedes. La llama acaba quemando sobre la retina del espectador unas letras que resultan ser de hielo, como helada es la naturaleza de la adicción de María (interpretanda por Ariadna Gil) y Rafa (el debutante Carlos Fuentes), como helado es ese paraísa-infierno al que van a parar tras su iniciática peripecia on the road. Una honesta y brillante puesta al día de los postulados de Bass.

12.“Goldeneye” (1995). El heredero del fallecido Maurice Binder se llama Danny Kleinman y procede del terreno del videoclip – donde ha confeccionado obras de Van Halen, Prince o Madonna-. Donde Binder ponía artesanal talento para el recorta y pega, Kleinman coloca un cegador despliegue de infografía y collage digital que comienza con el canónico cañon de revolver para dar paso a un imaginativo carrusel que resume el fin de la guerra fría: inmensas hoces y martillos cruzando el espacio, ditirámbicas chicas Bond golpeando con mazas colosales estatuas de Stalin, top models bailando en el cañón de flotantes pistolas… Un festín que, según el autor, se inspira en los oníricos paisajes imaginados por Steve Ditko en los tebeos del Dr. Extraño.

13.“Seven” (1995). La música industrio-infernal en el más puro estilo Trent Reznor destroza gentilmente los tímpanos del respetable, al tiempo que un caos de imágenes sucias y desenfocadas hace pensar que, o bien el proyeccionista ha bebido, o bien un voraz parásito del espacio exterior está dando buena cuenta de las córneas allí reunidas. Un collage de Letraset, extrañas emulsiones sobre celuloide, brutales laceraciones a golpe de oxidado cutter, imágenes en blanco y negro, tomas solarizadas y demás distorsiones de la tradicional caligrafía de los títulos de crédito se suceden mostrando lonchas de vida en la existencia cotidiana del psicópata de la película. El azote de los siete pecados capiteles se prepara para pasar a la acción. Terrible miedo.

14.“Casino” (1995). Recuperado por Martin Scorsese a partir de El cabo del miedo, el matrimonio formado por Saul y Elanie Bass cierra el círculo demostrando que , venga quien venga, ellos siguen siendo los reyes. Después de que, en la secuencia precréditos, el coche de Robert de Niro estalle lanzando a su ocupante por los aires, el equipo Bass se deja las pestañas jugando con los tiempos de su abigarrado collage de imágenes dilatando durante 15 segundos esa explosión que sólo duraba un segundo. “Hemos intentado crear una metáfora para Las Vegas de la traición, la moral retorcida, la ambición y la autodestrucción. El descenso en el infierno de Dante”, señala Bass. El fuego y el cadáver de De Niro terminan por mezclarse con los neones de la ciudad.

El País viernes 15 de marzo 1996

Menudo papel (El País viernes 9 de agosto de 1996)

2008-08-31T12:47:00.000-07:00

Menudo papel
No hay gran película sin buenos papeles. Pero aquí no hablamos de los que ansían los actores para ganar el Oscar, sino de los que se pegan en la pared. Un puñado de diseñadores (Juan Gatti, Fernando Gutiérrez, Oscar Mariné, Cruz Novillo y Peret) nos aceptaron el reto de escoger los más atractivos de la historia del cine español. He aquí su selección, pero, si quieres más, en Zaragoza tienes una muestra.

¿Es efímero el cartel de cine? Una exposición itinerante que arrancó en Zaragoza demuestra lo contrario y, de paso, homenajea a este género a medio camino entre la obra de arte y la mercadotecnia. Son 135 carteles (fechados desde 1911) que resumen la historia del cine español y las corrientes plásticas y gráficas de cada época. Carteles inspirados en el constructivismo o en el pop-art, con ilustraciones o fotos, realizados por profesionales del diseño, por pintores o dibujantes, o por los mismos directores. En Tentaciones quisimos saber la opinión de cinco diseñadores. Cada uno de ellos votó por diez obras (las estrellas que acompañan cada imagen muestra el número de votos recibido por cada una).

Juan Gatti
Lo de este diseñador gráfico e industrial, nacido en Buenos Aires en 1950, y Pedro Almodóvar fue un flechazo: desde 1988 han trabajado juntos en la imagen gráfica de todas las películas del director manchego. Entre otros ha realizado el cartel que acompaña estas líneas y ha trabajado también para producciones extranjeras, como The celuloide closet. Eligió en primer lugar el cartel de La mujer X por considerarlo “una solución visual efectiva, moderna y gráficamente dramática”
1. La mujer X
2. Hollywood conquistado
3. La mulata de Córdoba
4. Entre tinieblas
5. Tchapaief
6. Tacones lejanos
7. Arrebato
8. Hay que matar a B.
9. El cochecito
10. Queridísimos verdugos

Fernando Gutiérrez
Su cartel para Bámbola, la última película de Bigas Luna, ondeaba en el Bulevar de La Croisette en el pasado festival de cine de Cannes. Ha sido el primer flirteo con el cartelismo de cine de este diseñador gráfico de nombre castizo pero nacido en Londres en 1963 y actualmente asentado en Barcelona. La experiencia le ha dejado entusiasmado. “Un cartel de cine debe apostar por una sola idea para no crear confusión. Hay que sintetizar el concepto en una sola imagen y no querer contar toda la película”, asegura.
1 Tacones lejanos
2 El Sur
3 Hay que matar a B.
4 El cura de aldea
5 Átame
6 La prima Angélica
7 El día de la bestia
8 Tchapaief
9 Coto de caza
10 Carmen

Oscar Mariné
“Los carteles que más resisten al tiempo son los que no tienen foto”, comenta este dibujante, diseñador y fotógrafo nacido en Madrid en 1951. Ha firmado la imagen gráfica de las películas Malaventura, Lo más natural y, más recientemente, las de El día de la bestia y Tierra. Hace poco ha estado en México observando el inicio del rodaje de Perdita Durango. En su selección destaca la solidez y la trayectoria de Cruz Novillo y le interesa mucho la constancia en la relación Gatti/Almodóvar.
1 Qué he hecho yo para …
2 Átame
3 El cebo
4 El cochecito
5 El cura de aldea
6 Hay que matar a B.
7 Pepi, Luci, Bom…
8 Agustina de Aragón
9 El telón de acero
10 Tchapaief

Cruz Novillo
Practica con el ejemplo aquello de que entre los géneros artísticos no hay jerarquías: pasa con facilidad de la escultura a la pintura, del diseño gráfico al industrial. Nacido en Cuenca en 1936, ha realizado más de sesenta carteles para el cine, más que por encargo, por amistad o afinidad intelectual con directores como Saura (como éste, de la película La prima Angélica), Borau, Berlanga o Querejeta. En su selección prefiere diseñadores aficionados como un “manifiesto contra la especialización”
1 Ensalada Baudelaire
2 Átame
3 Qué he hecho yo para …
4 El día de la bestia
5 El hombre invisible
6 Surcos
7 Plácido
8 Mi hija Hildegard
9 Carmen
10 Vacas

Peret
“Para mí sólo hay dos cartelistas que merecen dicha calificación: Josep Renau y Antoni Clavé. ¿A ver quién es el guapo que colgaría en su casa un cartel de cine realizado en los últimos treinta años?”, declara. Ni siquiera el suyo de Mater Amatisima. De su elección destaca el poderío del cartel de Arroz amargo. Del de Tchapaief asegura que es “la síntesis perfecta”. Y de Marcelino, pan y vino comenta: “Magnífica obra representativa de la España negrísima de Educación y Descanso”.
1 Arroz amargo
2 Tchapaief
3 Unbandiges Spanien
4 Torero a la fuerza
5 El hombre y el monstruo
6 El telón de acero
7 Calle mayor
8 Marcelino, pan y vino
9 Vacas
10 Mujeres al borde…

Soy un gamberro

2008-08-25T10:52:00.000-07:00

Soy un gamberro

Bill Plympton es un dibujante sardónico e irreverente. Decidido a darse a conocer, se pasa a la pantalla. Uno de sus largos, Me casé con un extraño, se estrena en España. Bienvenidos a sus travesuras.

Realizador de cortos explosivos en los que se ríe de la violencia y el sexo, ilustrador de revistas eróticas, director de largometrajes de animación psicotrónicos… y amante de los pantalones cortos. Así es Bill Plympton (Portland, Oregón, 1946). Este dibujante transgresor dio a conocer en España sus cortometrajes de animación en el festival de Sitges, adonde acudía regularmente y paseaba sus canillas al aire gracias a los mencionados pantalones. Desde 1985, Plympton ha desarrollado una carrera repleta de exabruptos poco vista en las salas comerciales. Hasta la semana pasada, que se estrenó en España su cuarto y penultimo largo –segundo de animación, Me casé con un extraño-,realizado en 1997, una auténtica joya de humor corrosivo sólo para almas procaces.
Bill Plympton tiene cara de gamberro. Y lo es. Pero un gamberro que hace travesuras a través de sus películas. Creció leyendo a gente como Robert Crumb y a los dibujantes underground, en una época en que los americanos combatían en Vietnam.
“Así fui más radical que si hubiera nacido en los tiempos en los que el senador McCarthy practicaba la caza de brujas”. Aunque, en ese caso, “lo más probable es que hubiese trabajado para la Disney, e igual habría sido feliz dibujando La Cenicienta”.
Pero no fue así, entre otras cosas porque Plympton desdeñó una oferta de los estudios Disney en 1987, despechado porque de habían rechazado 25 años antes por ser “demasiado joven”. Sus únicas travesuras fuera del papel las reserva para una fiesta anual, la Mud Party, que celebra junto a la casa de sus padres en Oregón. “Allí hay una cantera que produce mucha arena y se transforma en una especie de barro que casi parece mousse de chocolate. Lo que hacemos es reunirnos unas cincuenta personas para beber y fumar marihuana. Al final acabamos en el río tan rebozados que parecemos negros”.
Plympton disfruta enseñando a la gente sus esbozos, que demuestran que es un trabajador infatigable que escribe, dibuja, produce, sonoriza y distribuye sus propios filmes –tres de animación, The tune (1992), Me casé con un extraño(1997) y Mutant aliens (2000), y dos con personajes reales, J. Lyle (1994) y Guns on the Clackamas(1995), además de decenas de cortos (Cómo besar, 25 maneras para dejar de fumar…), por los que ha ganado dos veces en Cannes y una vez fue candidato a los Oscars (en 1987 con Your face)-. Sigue un método que comienza “sobre una idea, y prosigo elaborando la parte visual”. Así, en Me casé con un extraño, ideó un personaje con capacidad para hacer realidad todo lo que imagina. Su protagonista, Grant, es un recién casado que, por un accidente aéreo (es decir, que pasa en el aire: dos patos en pleno aparcamiento chocan su antena parabólica mientras él ve la televisión), desarrolla unos poderes especiales con los que manipula físicamente a su esposa. El filme surgió a partir de una de sus alocada ideas: “Cuando te casas con alguien, descubres muchas cosas sobre tu pareja que no sabías; pensé que, llevado a la exageración, resultaría divertido que existiera gente capaz de crear su propio mundo. Me puse a trabajar sobre ello, en cómo actuaría esa persona, cómo se sorprende y de que manera se siente cuando sus pensamientos se transforman en reales”. A partir de ahí, comienza un trabajo que se plasma en pequeños dibujos. No utiliza el ordenador, porque “para hacer una secuencia en el ordenador se necesita una persona trabajando durante cinco meses y yo la hago en un día”. Hay también una razón estética: “Quiero que el trabajo tenga errores, que no sea ni limpio ni nítido”. Y después, la venta de sus filmes, que lleva él personalmente para controlar el negocio.
En España se exhibe Me casé con un extraño justo cuando acaba de terminar su nuevo trabajo, Mutant aliens, una fantasía galáctica sobre animales lanzados al espacio exterior para realizar experimentos cientificos. Entre medias de estos dos filmes todavía ha tenido tiempo para ilustrar Mónica Lewinsky´s Untold story, un libro sobre el asunto del presidente Clinton con su famosa becaria, y que surgió a partir de lo que había leído sobre ese asunto. “Mientras el editor me iba corrigiendo”. Con una gran sonrisa, señala que “a Clinton le gustó el libro, pero a Mónica no”. Naturalmente, lo lleva encima y lo vende a 12 dólares el ejemplar. Es parte de su campaña de promoción.
Paco Gisbert
http://www.awn.com/plympton

El País, viernes 6 de julio de 2001

La búsqueda de los infinitos decimales de pi (y II)

2008-08-24T21:26:00.000-07:00

La búsqueda de los infinitos decimales de pi (y II)

Por Jordi José/Manuel Moreno
El País, jueves 26 de septiembre de 2002

“Frente a la simplicidad del círculo está la complejidad del número pi. Un 3 con infinitos decimales”. Un número tras el cual Roberson, profesor de Max Cohen (el protagonista del filme Pi), ha pasado 40 años de su vida buscando un modelo, una forma ordenada tras esa ristra infinita de dígitos.
Y es que, tras su aparente sencillez (pi, es, por ejemplo, la longitud de una circunferencia de diámetro 1), se esconden sorprendentes propiedades. Los egipcios (milenio II a. C.), tan prácticos ellos, empleaban la aproximación 3,16 en sus cálculos de volúmenes de depósitos. Los griegos, con Arquímedes (siglo III a. C.) a la cabeza, fueron mucho más lejos al buscar métodos para el cálculo de pi que no fuesen la medición directa de la circunferencia. Este célebre matemático empleaba el método geométrico de inscribir y circunscribir a una circunferencia de polígonos regulares. Duplicando seis veces un decágono (polígono de 10 lados) determinó ya la aproximación de pi, 3,1416, que aparece en nuestros libros escolares.
Hasta el siglo XVI, el método de Arquímedes se empleó con profusión, pese a lo engorroso de los cálculos. El francés Viète (s.XVI), determinó el valor de pi con 10 cifras y dio una de las primeras formulas para su calculo. Otro matemático de la época, el holandés Van Ceulen, obtuvo una aproximación con 35 cifras a base de calcular el perímetro de polígonos de ¡un trillón de lados! El valor de pi obtenido figura en su epitafio.
A partir del siglo XVII, con la evolución de las matemáticas, aparecen nuevas herramientas, como el cálculo infinitesimal. Se buscan fórmulas, expresiones analíticas más que métodos, para el cálculo de pi. El inglés Wallis (1665) y el alemán Leibniz (1674) deducen formulas que contienen productos o sumas infinitos. Se trata de sucesiones de “convergencia” lenta: años de cálculo apenas sí proporcionarían un centenar de cifras exactas de pi.
A partir del siglo XVIII, todas las determinaciones de pi se basan en variantes del método inventado por Machin (1706), basado en el desarrollo de la función trigonométrica arbotante cuya serie es rápidamente convergente. Muchos calculistas se empecinaron en encontrar más decimales de pi. Shanks adquirió cierta notoriedad al determinar pi con 607 decimales. Una tediosa tarea en la que empleó 20 años de su vida. Por desgracia, cometió un error: ¡a partir del decimal 528 todas las cifras son incorrectas!
La irrupción del ordenador dio nuevos brios a los esfuerzos por encontrar más decimales de pi .Fue una de las tareas encomendadas al ENIAC, el primer ordenador electrónico. En 1949, tras 70 horas en funcionamiento generó 2037 decimales de este escurridizo número. Felton (1957) intentó calcular 10.000 cifras pero por un error en la máquina, solamente los 7.480 primeros dígitos resultaron correctos. En 1961, un ordenador IBM sobrepasó las 100.000 cifras, tras nueve horas de trabajo. Avances posteriores en el campo de la computación han permitido conseguir miles de millones de dígitos de pi.
¿Un pasatiempo ocioso? Si bien es cierto que en las aplicaciones prácticas resultan suficientes no más de una decena de decimales de pi (las cifras que proporciona nuestra calculadora de bolsillo), el tiempo y esfuerzo dedicado a su cálculo son justificados. Como apunta el matemático J. Newman, por un lado se tenía la esperanza de que al estudiar series infinitas podría hallarse alguna clave sobre la naturaleza de pi. Algo que Max. El protagonista del filme, persigue con ahínco.
Por otro, esta búsqueda ha constituido una fuente de estímulo a la actividad matemática. El uso de decimales en técnicas informáticas actuales de cifrado y de criptografía añaden aún más relieve a la importancia de este sorprendente número. Pi cae en la categoría de los números irracionales (números decimales con infinitas cifras no periódicas), como la raíz de 2.
Hoy, los matemáticos parecen convencidos de que el desarrollo decimal de pi es “aleatorio”, como cualquier sucesión de números elegida al azar. Si esto se demostrase, significaría que en ese desarrollo está escrita cualquier combinación finita de números que podamos imaginar. O, dicho de otra forma, como señala M. Gardner en el delicioso texto sobre acertijos matemáticos, Paradojas (1983): “En algún punto del desarrollo de pi comienza una sucesión de cifras que codifica todo el saber contenido en una enciclopedia”.
Todo, absolutamente todo lo acontecido, lo que está por venir, estaría contenido en las cifras de pi. Bastaría con encontrar la clave. ¡Ánimo, Max!

La enigmática secuencia entre los decimales de Pi

2008-08-24T04:41:00.000-07:00

La enigmática secuencia entre los decimales de Pi

Por Jordi José/Manuel Moreno
El País, jueves 19 de septiembre de 2002

“La una menos cuarto. Reitero mis sospechas: 1) Las matemáticas son el lenguaje de la naturaleza. 2) Todo lo que nos rodea se puede representar y entender mediante números.
3) Si se hace un gráfico con los numeros de un sistema se forman modelos. Estos modelos están por todas partes en la naturaleza. Pruebas: el ciclo de las epidemias, el aumento y disminución del número de caribús, el ciclo de las manchas solares, las crecidas del Nilo. ¿Yla Bolsa? Una sucesión infinita de números que representan la economía global. Millones de manos trabajando. Millones de mentes. Una red inmensa llena de vida, Un organismo. Un organismo natural. Mi hipótesis: La Bolsa también forma un modelo. Lo tengo delante escondido entre los números. Siempre lo ha estado”.
Es la voz en off del matemático experto en la teoría de números, Max Cohen (Sean Gullette) protagonista del filme de culto Pi (1998), de Darren Aronofsky. Una de las contadas películas en que las matemáticas constituyen el eje central del argumento. Narra la obsesión esquizofrénica del protagonista por elaborar un modelo capaz de predecir un sistema extraordinariamente complejo: las operaciones financieras en Bolsa.
En última instancia, está su deseo de comprender el universo, equiparado con ese elegante juego de estrategia oriental (“más antiguo que la más antigua escritura”, según Borges) que es el go, consistente en colocar fichas en un tablero formando territorios lo más extensos posible (“sus variaciones negras y blancas agotarán el tiempo”)
La clave parece estar en una enigmática secuencia de 216 dígitos, presente en la Cábala (el nombre de Dios) y que subyace también, oculta, entre los decimales de pi. Fanáticos religiosos judíos y tiburones conspiradores de Wall Street correrán tras su descubridor. En blanco y negro, este filme está lleno de metáforas y de simbolismos.
Un filme denso, apoyado en una banda sonora de machacona y subyugante música electrónica, cercano a la estética del videoclip. Cautivador, en cualquier caso. Una muestra de cómo la frialdad de las matemáticas puede convertirse, con sus concesiones al medio, en un inteligente argumento de ficción a la par que en materia para reflexionar acerca de los patrones y pautas que la ciencia busca en la naturaleza.
En el filme se dan pretenciosas coincidencias numéricas, intencionadas o no. El número buscado por Max tiene 216 dígitos. ¡Horror! 216 es igual a 6x6x6. Y 666, ¿recuerdan? El numero de la Bestia. Pero hay errores imperdonables.
La cadena de números que representan las primeras cifras decimales de pi mostraba en el impactante inicio del filme resulta incorrecta a partir del noveno decimal (9 es 6 al revés, ¿de nuevo el maligno haciendo de las suyas?). Además, el método numerológico hebreo empleado por el cabalista judío para obtener sorprendentes coincidencias es defectuoso: el 0 no existe en ese sistema de numeración. Otra cosa es que, como buen numerólogo, uno se monte su propio código par obtener la cifra deseada.
Como bien le recuerda a Max su mentor, el profesor Robeson:”En el momento que descartas el rigor científico, dejas de ser un matemático para convertirte en un numerólogo” (o vulgar manipulador de números con fines esotéricos). Por último, cuando Robeson recuerda ante su pupilo la legendaria anécdota que permitió a Arquímedes descubrir el principio físico que lleva su nombre, resolver el problema del contenido en oro de la corona real y proferir su ¡Eureka!, define la densidad de un cuerpo como el peso dividido entre el volumen. Si así fuese, la densidad sería una magnitud variable puesto que el peso depende de la gravedad: en la Luna, nuestro cuerpo sería unas seis veces menos “denso” que en la Tierra.
En realidad, lo que Robeson define es el denominado peso específico. La magnitud densidad es un atributo de cada sustancia y se determina por el cociente entre la masa y el volumen. Ideas parecidas a las del filme se encuentran en los relatos: La escritura de Dios, de Borges y los nueve billones de nombres de Dios, de A.C. Clarke. En el primero, un sacerdote maya descifra un mensaje divino, de 14 palabras, oculto en la piel de un jaguar. En el segundo, son los lamas tibetanos los escribirán, con un ordenador, todos los nombres de Dios.

michael paulus

2008-08-17T21:28:00.001-07:00

michaelpaulus.com

Los pechos en la historia

2008-08-15T15:43:00.000-07:00

Los bebés ven alimento; los hombres, sexo; los médicos, enfermedades; los negociantes, dinero… No cabría en un libro lo que la humanidad piensa, o mejor dicho, siente, sobre el pecho de las mujeres. Sin embargo, la escritora norteamericana Marilyn Yalom se las apaña para revisar generosamente en un libro la biografía de los dos pezones y su sostén. “Una historia del pecho” incluye nueve capítulos (los pechos políticos, domésticos, sagrados, médicos, liberados, comercializados…), y 100 pares de mamas plasmadas en grabado o en fotografía, en portadas de revistas, carteles políticos y óleos del renacimiento. La autora, desde el Instituto de la Mujer y el Género de la Universidad de Stanford (California), concluye que el pecho, tras su camaleónico viaje histórico, vuelve a crecer en tamaño, aunque tiende a enfermar de cáncer con estadísticas de crecimiento logarítmico.
La arqueología de los senos es abundante y sabrosa como la leche. Yalom cuenta que María Antonieta mandó construir en Sèvres dos vasijas moldeadas sobre sus propios pechos en homenaje a su madre lactante, en pleno auge de la doctrina de Rousseau de la vuelta a la naturaleza. También muestra los reclamos de las carteras durante la I Guerra Mundial, que aparecían con los pechos descubiertos y la figurita del soldado reposando sobre la palma de la mano. Incluso se detiene en discutir sobre el presunto significado liberador de los pezones atravesados por aretes.
A Yalom parece interesarle lo que las mujeres sienten sobre su propio pecho. Y la verdad, confiesa, es que apenas halla material hasta llegar a los últimos 20 años. E incluso más tarde, en la época en que las manifestantes se han atrevido a mostrar sus mutilaciones a pecho descubierto han podido rascar dinero para la investigación del cáncer de mama. Yalom descubre a las poetisas que confiesan que los embates de su bebé lactante las excitan, y a las que cantan a sus pechos vagos y desmayados sobre el vientre. Y también convoca a una Frida Kahlo con las mamas claveteadas y a la ex estrella porno Annie Sprinkle, quien se filma haciendo bailar a sus pechos “El Danubio azul” con coreografía clásica.
Ana Alfageme

A history of the breast está publicado por Alfred A. Knopf. Nueva York, 1997.

1.”Desnudo azul”(1906), de Henri Matisse. 2. “La cartera” (1917), de G. Léonnec. 3. La Venus de Milo 4. Porcelana de Sèvres de María Antonieta 5.Josephine Baker, en los años veinte. 6. Cartel de una exposición de Barcelona sobre el nudismo en 1933. 7. Autorretrato de la fotógrafa Jo Spence en 1982. 8. Postal pornográfica barcelonesa de los años veinte. 9. Postal norteamericana de los años cincuenta. 10. “El nacimiento de Venus”, de Botticelli. 11. Programa de mano español de “La Venus rubia” (1932). 12. Fotografía de Helmut Newton. 13. Dibujo “manga” de Javier Sánchez, de 1995. 14. Uno de los coches de Marilyn Monroe, en una exposición de 1996. 15. Anita Ekberg, dibujada por Federico Fellini en “La dolce vita” (1960). 16 Autorretrato de Frida Kahlo, de 1944. 17. Raven Light, superviviente a una mastectomía, en una manifestación en San Francisco en 1994. 18. Los primeros tratamientos de rayos X contra el cancer de mama, según G. Chicotot (1906). 19. Cicciolina, en 1987. 20. “Bosso, ballet” (1991), de la fotografía y estrella porno Annie Sprinkle. 21. Portada del libro “La sabrosa conquista” (1923), de Rafael de Penagos.

El País Viernes 1 de agosto de 1997

Una filmoteca 10

2008-08-14T16:10:00.000-07:00

Idiotas irredentos. Chinos enamorados. Matrimonios sin sexo. Psicópatas pecadores. Mamporros existenciales. Y una marmota. Una decena de directores españoles escriben sobre su película favorita de estos 10 años. Dale al “play”

El Club de la Lucha
Director: David Fincher (1999)
Por Álex de la Iglesia

Por supuesto que El Club de la lucha NO es la mejor película de la década. Elegir el mejor filme es una estupidez, como escoger la mejor persona o el mejor cuadro o pensar si es mejor la paella que la macedonia de frutas. De hecho, cito este largometraje por distar con mucho de ser perfecto. ¿Quién quiere películas perfectas? Los críticos, los curas, los políticos. Yo las quiero distintas, arriesgadas, divertidas, inteligentes y, a poder ser, malas, incluso amorales. El Club… habla de un montón de cosas sin resolverlas (quizá irresolubles), pero tiene momentos gloriosos en los que se adentra en terrenos inexplorados de nuestra mediocre manera de ver el mundo. Deja al descubierto debilidades, fisuras de nuestro software chungo, donde triunfa el que más se acomoda al uniforme colegial. El club de la lucha te habla a la cara: ¿tú también quieres ser un idiota más en este mundo de idiotas?¿Ves esta película acomodado en tu sillón o prefieres ser un hombre? Si, como espectador, eres generoso, el filme te arrastrará. A muchos no les ha ocurrido, porque buscan películas correctas. Ésta no lo es. Y por eso es imprescindible.

Deseando amar
Director: Wong Kar-Wai (2000)
Por Isabel Coixet

Me gusta Deseando amar (In the mood for love) porque no podemos tocar el pasado, sólo podemos recordarlo; porque los recuerdos son borrosos; porque me fascina el cuello de Maggie Cheung y los vestidos que se lo aprietan; porque siento debilidad por las fiambreras de varios pisos; por el dim-sum y el arroz frito y los noodles y cualquier cosa que se pueda comer con salsa de soja; porque los personajes pasan rozándose por estrechos pasillos y no se tocan; porque los agujeros de los muros de piedra son los únicos lugares en donde podemos decir lo que nos pasa; porque hace calor todo el tiempo y llueve y a nadie se le ocurre aflojarse el cuello del vestido o de la camisa; porque me gusta la canción de Brian Ferry que no sale en el filme; porque a ratos no sé si esos conyuges fantasmas existen o son una invención de los habitantes de la pensión; porque me gusta que una película me conmueva y me deje resquicios de misterio, y quiera volver a verla inmediatamente, y me muera de envidia al salir de la sala, y me lleve a casa las ganas de ser mejor y hacer mejores películas y comer sopa con bambú y cosas que no sé qué son.

Dos tontos muy tontos
Director: Peter y Bobby Farrelly (1994)
Por Santiago Segura

Podría decir Man on the moon, de Milos Forman, que fue un fracaso; o Election, de Alexander Payne, que no vio casi nadie; o ya, para ser más enrrollado, Visitor Q, de Miike Takashi, que ni siquiera se ha estrenado. Todas me encantan y son cool, quedaría como un tipo moderno eligiéndolas mi película de la década, pero debo escuchar a mi corazón. El filme de estos 10 años es Dos tontos muy tontos, de los hermanos Farrelly (nada que ver con los Taviani o los Coen, afortunadamente). Es una película de risa en estado puro y, personalmente, me sirvió – aparte de para descojonarme y ver la luz- para descubrir a mis ídolos (que tantas satisfacciones me han dado desde entonces).
Con esta película los Farrelly revolucionaron y actualizaron la comedia moderna como en su día hizo John Landis con la increíble Desmadre a la americana. Sí, la crítica los odia a muerte, pero yo debo bendecirlos y ofrecerles mi gratitud. Me hacen reír, y eso es mucho.

Quemado por el sol
Director: Nikita Mikhailkov (1994)
Por Fernando León de Aranoa

Sergei le habla a su hija Nadya de un sueño, el de construir una patria de futuro y de progreso en la que ella pueda crecer un día. Transcurre el verano de 1936 en la Unión Soviética y su historia nos hablará luego de la doble tragedia de los quemados por el sol de la revolución, de las cicatrices que sus vidas dejaron en las muñecas de la historia. Sucede en el campo, en una casa llena de sombras a la que hoy llega el dolor, disfrazado de amigo muy querido. El fantasma de Chejov recorre sus pasillos, la ternura de su aliento en la mirada de los personajes. La caligrafía dulce, casi musical con la que se escribe su historia contradice los incómodos silencias, el espanto y sus presagios.
Al final del día, un gran coche negro aguarda a Sergei en la puerta de la casa, su silueta de ogro al acecho dibujada en el verde esperanzado del bosque. Antes de partir, coge en brazos a su hija y corre con ella en un juego que en realidad es un deseo: el de huir para siempre del miedo y sus mensajeros, del pasado, del persistente dolor, de la traición de ese sueño que una vez tuvo su hija.

Eyes wide shut
Director: Stanley Kubrick (1999)
Por Juan Carlos Fresnadillo

Cuando se encendieron las luces y pude ver la cara de confusión, aburrimiento e indignación de la gente que me rodeaba en el estreno de Eyes wide shut me sentí como un elegido. Pobre de mí. Ese diálogo final de una pareja que soluciona una crisis con una palabra tal real y tan poderosa (“follar”) me dio la espada que necesitaba para iniciar la guerra.
Qué iluso. A partir de ese momento he discutido con todo aquel que osara poner en duda la sabiduría del testamento de Kubrick. Mi arma arrojadiza siempre fue defender que esta película es una comedia. Una sonora carcajada de un maestro sobre la estupidez de la condición humana al no mirar y disfrutar de la realidad. De seguir siempre empeñándose en condicionar la vida por fantasías que no existen, que sólo están en tu cabeza y cuyo efecto secundario es el sufrimiento de no atrapar lo único que tenemos a mano: el aquí y el ahora. Lo siento Stanley, sigo sin practicarlo aunque no me quito tu película de la cabeza. Y especialmente, tu risa al escribir esto.

Funny Bones
Director: Peter Chelsom (1995)
Por Javier Fesser

Un tipo imperfecto, hijo de otro bastante más defectuoso, se adentra en el origen de tanto mal funcionamiento para encontrar una explicación de, al menos, una pequeña parte de su imperfección. Y viaja a la decadente Blackpool (Reino Unido), un lugar congelado en el tiempo de donde su padre trajo adherido el talento en la piel, para toparse de narices con la más bella expresión de lo no perfecto: su hermano desconocido. Tan desconocido como fascinante y tan extraño como genial, imprevisible, adorable, temible e irrepetible, cuyo magnetismo radica en su error cerebral de nacimiento.
Funny Bones (Los comediantes) es una aventura hermosísima llena de personajes a los que no les cabe el alma en el cuerpo. Una película, por suerte para ella y para disgusto de los críticos de todo a cien, imposible de clasificar. Un filme como la realidad, como las cosas que de verdad interesan y como la gente que tiene cosas que decir: imperfecta. Maravillosamente imperfecta.

Atrapado en el tiempo
Director: Harold Ramis (1993)
Por David Trueba

La última década de cine ha cancelado casi definitivamente la unión entre lo popular y lo inteligente. Lástima. Parece difícil encontrar películas que se adscriban al entretenimiento más puro con dignidad, cabeza y clase. Por eso, esta década, el público que se autodefine élite es dependiente del mal llamado cine independiente, casi siempre estadounidense, pero imitado en el mundo entero en su estética y contenidos. Peligroso como todo lo simbiótico. Superficial como toda moda. Entre todo eso, Atrapado en el tiempo es una comedia romántica emocionante, ácida, divertida y muy bien escrita. Una a Kafka con Lubitsch, está dirigida con invisibilidad y talento, sin más pretensiones que aquellas del cine clásico: entretener con cerebro. ¿Por qué lo que debería ser la norma es casi una excepción? Pero quizá lo más descollante es salir reafirmado de lo que durante esta década se ha confirmado con creces: Bill Murray es el mejor actor de comedia del cine estadounidense actual.

Seven
Director: David Fincher (1995)
Por Jaume Balagueró

Podrían decirse muchas cosas. Su clasicismo y su modernidad, por ejemplo, que aúnan sin complejos sobriedad narrativa con nuevas tendencias estéticas y formales. O su brillante guión, una pirueta perversa que juega con nosotros y nos hace temer aquello que nunca vemos porque sólo se nos muestran sus restos, sus consecuencias. O su montaje crispado y fluido al mismo tiempo, soberbio ejercicio de microelipsis que, lejos de resultar abrupto, acaba dotando al conjunto de una fluidez impecable. O la tenebrosa fotografía de Khondji, agobiante, depresiva y húmeda como la vida. O su diseño de producción impactante, oscuro y supurante, que sabe instalar el horror en cada fotograma. O lo influyente que ha acabado siendo para gran parte del cine moderno de género: imitada, plagiada, homenajeada. Podría decir todo esto. Incluso más. Pero no. No son éstas mis verdaderas razones.
Porque en realidad me basta una: sus últimos 10 minutos, tensos hasta lo insoportable. Un ejemplo de intriga y suspense, casi miedo, difícilmente igualables. Vertiginosos. Magistrales. Un milagro.

Réquiem por un sueño
Director: Darren Aronofsky (2000)
Por Daniel Calparsoro

Sueños rotos, destrozados, que se vuelven pesadillas. La película de Aronofsky te atrapa desde el inicio y no te suelta hasta reventarte al final. La puesta en escena, la música, el montaje beben de eso que se llama electro… pero lo mejor es el título. En 10 años han cambiado muchas cosas, y lo más significativo es que todo sigue igual. El sueño de un cine independiente, destrozado. El sueño de la libertad creativa, reventado. El sueño de un mundo mejor, aplastado. Al igual que los personajes de Aronofsky, vivimos envueltos en la ficción del movimiento, la sensación de ir hacia delante, pero que duda cabe de que si algo se mueve aquí, es hacia atrás. Convertidos en cómplices de una pesadilla de cinismo colectivo nos vemos incapaces de despertar; más nos vale hacerlo, o vendrá Aronofsky y hará un réquiem por nosotros.

Ed Wood
Director: Tim Burton (1994)
Por Daniel Monzón

De todos los directores aquí congregados, que levanten la mano los que se han sentido alguna vez como Ed Wood. Yo la levanto. Y a mucha honra. Porque el protagonista de esta fábula, que Tim Burton compuso con alma de poeta, representa la pasión ciega, energúmena, mameluca por el cine, a través de la cual nuestro querido Ed encuentra y expresa su pasión por la vida. No es ésta una disección sarcástica del mundo del cine, ni tiene vocación realista. Eso queda claro desde los mismos títulos, con el paseo a ritmo de bongos por el marciano universo de Edward D. Wood junior, que concluye en una descarada maqueta de un Hollywood de juguete por el que se moverán los personajes. Por ello, Burton nunca se ríe de la supuesta falta de talento de su protagonista; más bien al contrario, apunta que la única forma de sentarse en una mesa con Orson Wellles es siendo como Ed Wood. En su angustioso aunque irrenunciable amor por el cine, estos dos hombres se miran a los ojos, se comprenden y se dan aliento. No importan sus diferencias. Les hermana la pasión.

Periodico El País, El País de las Tentaciones Viernes 31 de Octubre de 2003